SONIDOS DEL MUNDO

viernes, 26 de diciembre de 2014

MITRA: El Dios olvidado de la Navidad

La Iglesia Católica, una institución corrupta y decadente desde sus inicios, supo valerse del engaño y la mentira apropiándose de diversas festividades y celebraciones ancestrales paganas, “cristianizándolas” para sus perversos fines. Uno de los más importantes fue aquella que conmemoraba cada 25 de diciembre el nacimiento de Mitra, cuya figura tiene muchas cosas en común con el imaginario Jesús, demasiado comunes para ser una coincidencia. Como sabéis, el culto a Mitra fue bastante importante en la antigua Roma, especialmente entre los militares quienes lo adoptaron en sus campañas de Oriente. De acuerdo al mitraísmo, Mitra, fue el hijo de dios, nacido de una virgen, tuvo discípulos, fue crucificado y se levantó de los muertos al tercer día, expió los pecados de la humanidad y regresó al cielo. Ni mas ni menos que la misma historia que encontramos copiada siglos después en el llamado Nuevo Testamento de la manera mas desvergonzada, ya que el culto a Mitra es como podéis imaginar, mucho mas antiguo que el cristianismo. Su popularidad llego a tal extremo que eclipso a la religión tradicional greco – romana, sustituyéndolo en gran medida, mas aun porque los romanos identificaron a Mitra con Apolo, el Sol radiante. Solo una secta judía de pescadores ignorantes - que creían en un tal Cristo - pudo sobrevivir ante su arrollador avance y fue debido a la providencia, que esta ultima termino por imponerse finalmente. En efecto, el mitraismo y el “cristianismo” convivieron hasta la llegada al poder de Constantino, un general ambicioso y sin escrúpulos que había prometido convertir a esta última en la religión oficial del Imperio, si su dios le ayudaba a tomar el poder, tal como ocurrió efectivamente. Una vez en el trono, no dudó en aprovechar la ocasión para fusionar ambas doctrinas. El cristianismo adoptó entonces la estructura del clero mitraico; ya que la iglesia primitiva cristiana no existía el clero como tal, todos los creyentes eran iguales ante Dios y cualquiera podía tomar la palabra y dirigir las asambleas en donde se recordaban las palabras de Jesús y sólo existían unos encargados de moderar y poner orden entre los asistentes. Constantino convocó el Concilio de Nicea en el siglo IV, y lo presidió aunque no era cristiano. Los obispos o encargados de las iglesias de aquella época, se dejaron embaucar con los regalos y donaciones imperiales, así como con las promesas de nombramientos oficiales, que les equiparaban a los magistrados del Imperio. De aquél concilio presidido por un no cristiano, Constantino, nació el cristianismo tal y como lo conocemos hoy, con un imaginario Jesús - del cual no existe prueba alguna de su existencia - convertido en “Dios”, A partir de ese momento, el mitraismo fue perseguido a muerte, sus libros quemados, sus templos derribados, y en pocos años, proscrito por edicto imperial de Teodosio. No es extraño que hoy sea difícil encontrar un libro sobre esta religión que tanto ha aportado a nuestra cultura y nuestra forma de vivir. Asimismo, no existe ningún original de los Evangelios cristianos canónicos anterior al siglo V. Todos ellos fueron reescritos, interpolados, modificados y adaptados a las nuevas normas eclesiales copiadas del mitraismo. Así, los Evangelios originales escritos en el siglo I y II, desaparecieron tras la persecución implacable de la jerarquía imperial y eclesiástica. La figura del imaginario Jesús fue retocada para hacerla más parecida a Mitra, Dionisos, Adonis, Osiris, Krisna y otros dioses “redentores” de la Humanidad. Todos ellos murieron y resucitaron, algunos de ellos nacieron de una virgen. Adonis por ejemplo resucitaba en Primavera; Krisna estuvo muerto tres días. En Egipto se realizaba desde tiempo inmemorial una ceremonia de iniciación, mediante la cual el neófito era atado a una cruz tumbada horizontalmente y depositado en lo más profundo del templo en donde permanecía sin luz, agua ni comida, durante tres días. Al término de su “muerte”, el neófito era sacado a la luz y proclamado nacido de nuevo. No es de extrañar que el cristianismo “adoptó” las fechas más importantes del mitraismo como suyas, para aprovechar la inercia y la fe de las masas que ya estaban acostumbradas a celebrarlas desde siglos. Sólo se limitaron a cambiar el nombre del dios - Mitra por Jesús - a honrar y el engaño estaba consumado. Es por ello que al celebrar la Navidad, los “cristianos” honran sin saber el nacimiento de Mitra. Aprovecho el momento para desearos unas Felices Fiestas.

viernes, 19 de diciembre de 2014

LAPONIA: El hogar de Santa Claus

A escasos días de la Navidad, resulta imprescindible conocer algo más de Santa Claus. Para tu información, el lugar donde oficialmente se alberga este ilustre huésped es Rovaniemi, una singular localidad ubicada en Laponia, Finlandia. En efecto, se trata de una ciudad de unos 60.000 habitantes, situada en pleno Circulo Polar Ártico, es una de las áreas más despobladas de toda Europa (en unos 100.000 kilómetros cuadrados apenas se concentran 200.000 personas).Asimismo no es fácil encontrar edificaciones antiguas en Rovaniemi ya que ciudad fue completamente arrasada por invasores rusos durante la Segunda Guerra Mundial (tras hacer explotar un depósito de municiones que generó un tremendo incendio que fue prendiendo una a una las casas de la localidad, fabricadas en su inmensa mayoría en madera). A partir de 1960 surge una nueva ciudad, en la cual casi todo gira en torno a la figura de Santa Claus, tanto en invierno como en verano. Muy cerca se encuentra el Santa Claus Village, su residencia oficial, donde es posible hacerse una fotografía con el singular personaje o enviar una carta desde la oficina postal central con el preceptivo matasellos. Por este parque pasa la línea del Círculo Polar Ártico, lugar de peregrinación para los turistas. Un lugar de Rovaniemi muy recomendable para visitar es el Museo Artikum, dedicado a la historia del pueblo sami. Cuenta con una colección permanente y con distintas exposiciones temporales que repasan la vida de los samis y dan cuenta de la extraordinaria dureza de las condiciones en las que se desarrollaba. Las posibilidades de andar al aire libre por Rovaniemi son maravillosas. Como no podía ser de otra manera, en los paisajes nevados de Finlandia, el esquí es el deporte rey. En Laponia hay 22 estaciones de esquí, 31 en Finlandia central y 26 en Finlandia meridional. Desde el Centro de Rovaniemi se divisan los paisajes de Ounasvaara, una de las estaciones de invierno más concurridas para practicar ski alpino o snowboard. Pero además podremos aprender a dirigir un trineo de perros huskies siberianos o incluso de Renos, montar en moto de nieve o pescar con el típico sistema autóctono del hilo a través de un agujero en el hielo. Tampoco olvidemos las famosas saunas, evidentemente finlandesas, ya sea la tradicional sauna de humo o en el baño de turba en los balnearios de Laponia. Y como hablamos de un territorio mágico no nos puede sorprender que este lugar nos ofrezca un último regalo que nos dejará atónitos si tenemos la suerte de verlo: la Aurora Boreal, un impredecible pero asombroso espectáculo causado por los vientos solares que interactúan con el campo magnético de la tierra, y que surge con mayor facilidad de septiembre a octubre, y de febrero a marzo. Entonces ¿Desearías visitar alguna vez Finlandia? ¿Conocer Rovaniemi y sus alrededores? ¿Tomarte un selfie con el mismísimo Santa Claus?. Entonces a que esperas, que aún estás a tiempo.

lunes, 15 de diciembre de 2014

VLADIMIR PUTIN: El Señor de los Anillos

No cabe duda que la popularidad del líder ruso va en alza, mas aun frente a la amenaza que representan para el mundo los EE.UU. y sus secuaces de la OTAN, empecinados en desatar la III Guerra Mundial. En efecto, según informa Rossiyskaya Gazeta, si primero fue la fiebre de las camisetas patrióticas con imágenes de Putin, y luego los iPhone chapados en oro de 18 kilates, ahora le ha llegado el turno a los anillos con el rostro tallado en plata del presidente ruso y es que el culto popular a la personalidad del jefe del Kremlin no tiene freno. “La gente compra el anillo no sólo porque lleve el rostro de Putin, sino porque lo asocia con la fuerza y la recuperación del orgullo nacional”, dijo Gleb Krainik, autor de la idea. El anillo de plata, que cuesta 7.500 rublos (poco más de 100 euros) y apenas pesa 10 gramos, muestra a un Putin petrificado y desafiante, con la mirada fija y el semblante serio. Los 50 primeros anillos se vendieron en los dos primeros días, mientras el resto ya han sido adquiridos en la página putinversteher.ru por compradores de todo el mundo, incluso de países tan lejanos como EE.UU. y Argentina. A la vista del aluvión de pedidos, la primera edición limitada de cien anillos ha sido del todo insuficiente, por lo que Krainik se plantea lanzar otra nueva partida tras el Año Nuevo. “No me esperaba un interés tan grande. Seguimos recibiendo llamadas y correos. Nos ha pillado desprevenidos, ya que no nos lo habíamos planteado como un negocio, sólo quería hacer regalos a los amigos”, confesó. Krainik, antiguo miembro de las juventudes del Kremlin, reconoce que decidió lanzar la campaña animado por la corriente patriótica que recorre Rusia desde la histórica reunificación en marzo de la península de Crimea. “Rusia se ha convertido este año en un país atractivo para todo el mundo, no sólo para los rusos”, apunta ufano el joven, quien decidió grabar en el anillo la frase en alemán “Putinversteher”, que significaría “Gente que entiende a Putin”. En apenas tres meses, animado por la guerra informativa lanzada contra Rusia por su papel en el conflicto del Este de Ucrania, Krainik lanzó el producto con ayuda de un diseñador de joyas. Con vistas al futuro, putinversteher.ru deja la puerta abierta a futuros diseños de relojes, brazaletes, bolígrafos y hasta pendientes con la imagen de Putin, en el poder desde 1999. Coincidiendo con el estreno de la tercera parte de la saga “Hobbit”, “The Battle of the Five Armies”, algunos internautas rusos ya han descrito el anillo de Putin como “el anillo omnipotente” en clara alusión al personaje de Saurón, que representa al mal. Entre los famosos que ya han comprado el anillo destaca el director serbio, Emir Kusturica, un reconocido admirador del jefe del Kremlin, y el líder ultranacionalista ruso, Vladimir Yirinovski, famoso por sus exabruptos. La actual corriente patriótica ha sido impulsada por el propio Putin con sus constantes arengas al amor a la patria y sobre que Rusia nunca abandona a sus compatriotas en alusión a los crimeos, en su mayoría de origen ruso, y a los rusohablantes en Ucrania, que luchan contra la camarilla fascista de Kiev, tachando de traidores a quienes se niegan a defender los intereses nacionales frente a la agresión que sufren por parte de los golpistas. Otros famosos que no han dudado en alabar públicamente a Putin son el actor Gerard Depardieu, al que el Kremlin le concedió la ciudadanía rusa; el actor Steven Seagal, que ofreció un concierto en Crimea; y el basquetbolista estadounidense Dennis Rodman, que calificó esta semana al jefe del Kremlin de “tipo genial”.Según una reciente encuesta del Centro Levada, un 58% de los rusos quieren que el señor Putin gobierne hasta el 2024, para desconsuelo de los EE.UU. y sus lacayos de la OTAN. Y en cuanto al anillo, yo también quiero el mio.

viernes, 12 de diciembre de 2014

EL OJO DE SAURON: ¿Un símbolo demoníaco?

A pesar de las objeciones iniciales de la Iglesia Ortodoxa a su instalación en la capital rusa, al considerarlo un símbolo maligno, 'El Ojo de Sauron' ya brilla en el cielo moscovita desde el emplazamiento que se había planeado originalmente, el punto más alto de un rascacielos del centro de negocios Moscow City. Pero lo hace solo en una versión virtual, escondido del ojo desnudo de los transeúntes. Como sabéis, dicha instalación, que representa un maléfico personaje de la trilogía 'El Señor de los Anillos' de J.R.R Tolkien, había provocado acalorados debates entre los admiradores del escritor británico y la Iglesia Ortodoxa rusa, que consideraba que el diabólico símbolo podía tener “una nefasta influencia sobre el país”. La compañía rusa GiveAR, especializada en proyectos de realidad aumentada, ha creado un código QR que los aficionados a Tolkien podrán escanear. Luego, para ver 'el Ojo de Sauron' sobre el rascacielos, solo tendrán que enfocar el edificio con sus tablets o teléfonos móviles. A pesar de que la versión definitiva del ojo sigue conservando su aspecto maligno, los diseñadores, con el objetivo de apaciguar las polémicas, le han aplicado algunos cambios para añadirle elementos más positivos y festivos: ahora con tan solo un clic la siniestra imagen del ojo se transforma en un árbol de Navidad. Venga ya -  lo dije desde un principio - y es que de “demoníaco” no tiene nada y tras ser modificado en  su apariencia original, ya “observa” desde lo alto a la capital rusa, en lo que puede considerarse como otro triunfo sobre  el fanatismo y la intolerancia.

viernes, 5 de diciembre de 2014

DE LONDRES A SAN PETERSBURGO: Los mármoles de Elgin “viajan” a Rusia en medio de una gran controversia

Con motivo del 250 aniversario del Museo del Hermitage de San Petersburgo, el Museo Británico ha decidido “prestar” por primera vez una de sus más emblemáticas esculturas robadas a Grecia en el siglo XIX y que desde entonces - a pesar de las múltiples reclamaciones por parte de los griegos exigiendo su devolución – se exhiben sin reparo alguno en Londres. Se trata de Ilisos, dios del río, una hermosa estatua de un cuerpo desnudo sin manos ni cabeza que se expondrá hasta mediados de enero en el museo ruso. Neil MacGregor, el director del Museo Británico, ha asegurado cínicamente que su institución es «el más generoso prestatario del mundo». Y explica con aparente naturalidad una cesión que ha levantado suspicacias también en Reino Unido, porque coincide con el enfriamiento de sus relaciones con Rusia: «El Hermitage nos la pidió para su 250 aniversario y dijimos inmediatamente que sí. La gente que no puede viajar a Londres o Atenas tiene así una oportunidad de entender los logros de aquella cultura». Y añade que supone que el Gobierno griego de Antonis Samaras estará «encantado».Cuando se le pregunta si tanta «generosidad» va a incluir ceder también las piezas para que sean expuestas en Grecia, MacGregor se limita a responder que genéricamente su museo está siempre dispuesto a prestar obras, pero con las condiciones de que su estado de conservación permita transportarlas y de que “existan garantías” de que estarán seguras en su destino y serán devueltas. Como era de esperar este acto de «generosidad» ha despertado el rechazo de Grecia que sostiene que Elgin (el embajador británico ante el Imperio Otomano, que se los llevo subrepticiamente del Partenón de Atenas) se llevó los mármoles de manera ilegal, que fue un robo en toda regla. El mes pasado Samaras se reunió con Amal Alamuddin para intentar reclamar de nuevo la atención de la opinión pública mundial. Por su parte, la prensa vio el préstamo a Rusia como un acto de provocación."El Museo Británico no solo se niega a devolver los frisos robados del Partenón, sino que como una muestra de prepotencia decidió prestarle uno al Hermitage de San Petersburgo", escribe Ta Nea destacando además el "secreto" con que se llevó a cabo el préstamo. Como sabéis, Atenas reinauguró en el verano del 2009 el museo de la Acrópolis, tras una costosa remodelación, pero lógicamente el centro estará siempre cojo sin el tesoro robado por los piratas ingleses que se niegan a devolverlo. El año pasado David Cameron expresó su oposición a devolver los mármoles a Grecia y a entregar a la India otra joya controvertida, el diamante Koh-i-Noor. El primer ministro británico alegó hipócritamente que el British es «un museo del mundo y para el mundo», donde los tesoros que rapiñó por todo el planeta el Imperio inglés están «al alcance de todos los británicos» (menos para sus legítimos dueños agrego yo). Venga ya ¿Qué se podía esperar de estos piratas?

lunes, 1 de diciembre de 2014

EL DINAR DE ORO: Una moneda que pretende crearse con la sangre de inocentes

No cabe duda que ISIS - aquel grupo terrorista creado y financiado por los EE.UU. para desatar el terror en Siria e Irak y “justificar” de ese modo su presencia allí – han perdido la razón. Y es que esos malditos asesinos sedientos de sangre han anunciado la emisión de su propia moneda para desvincularse del sistema financiero de Occidente: "Lo mejor para nuestro califato es contar con su propia moneda – el dinar de oro - sin depender del favor de nadie ni transitar un camino ajeno", declara un comunicado elaborado por el departamento de asuntos religiosos del ISIS en Mosul y leído hace unos días en las mezquitas de Nínive, la provincia del norte de Irak controlada casi en su totalidad por ese grupo criminal.Esta emisión ha sido ordenada por el líder del grupo, Abu Bakr al Bagdadi (un agente israelí entrenado por la CIA y la Mossad para prender fuego al Medio Oriente, tal como ha sido denunciado este lunes) y que la moneda tendrá un valor facial equivalente al peso del metal con que se acuñe Aunque el texto no especifica cuándo entrará en funcionamiento la divisa, ni dónde va a fabricarse, incluye imágenes con los diseños de varias piezas. En una de las caras, escrito en árabe, figura el lema “El Estado Islámico”; debajo, “Califato basado en las enseñanzas del profeta”. En la otra cara, una de las monedas de oro muestra siete espigas de trigo y otra, el mapa del mundo. En las de plata se ve un alminar, la mezquita de Al Aqsa o una espada y un escudo. Las de cobre tienen el símbolo del cuarto creciente o tres palmeras. El uso de oro, plata y cobre es un intento de recrear la vida bajo el ilusorio Califato Islámico - que solo existe en las mentes enfermas de esos desquiciados asesinos - y aislar económicamente las zonas por ellos controlados de Occidente. De esta manera, es un paso más en el intento del grupo terrorista  por dotarse de elementos asociados con un Estado legítimo y operativo, tal como avanzaba el pasado septiembre el tercer número de Dabiq, su revista online en inglés. Tras la bandera, el establecimiento de tribunales de la sharía (ley islámica) y la promulgación de leyes, incluso de tráfico, la emisión de moneda es otra de las responsabilidades asociadas con los estados. Sin embargo, al no ser reconocido públicamente por  ningún Gobierno del mundo  - con la excepción de los EE.UU.,  Israel y las corruptas petromonarquias del Golfo -  los expertos apuntan a que el único ámbito de uso de esa eventual moneda  será el mundo del contrabando y el crimen, adonde pertenece. Esperemos que nunca vea la luz.

viernes, 28 de noviembre de 2014

REMBRANDT – THE LATE WORKS: El último Rembrandt en la National Gallery de Londres

Pocos artistas tienen un rostro más conocido que Rembrandt. El maestro holandés se pintó a sí¬ mismo en repetidas ocasiones a lo largo de su carrera. Cuatro amplios autorretratos miran a los visitantes entrar a una enorme exhibición nueva de Rembrandt en la National Gallery de Londres. Por momentos parece incrédulo, estoico o desafiante, y la exposición busca mostrar que hasta el más conocido de los artistas era un hombre de sorpresas. Rembrandt: The Late Works ("Rembrandt: los últimos trabajos") abarca los 20 años antes de la muerte de Rembrandt en 1669, a los 63 años. Fue una época de agitación personal para el artista que, pese a su fama, estaba aquejado de deudas y enfrentaba la bancarrota. Su esposa de hecho, Hendrickje Stoffels, y su hijo Titus murieron antes que él.Y aun así¬, dijo la curadora Betsy Wieseman, fue un periodo de creatividad intensa. "Creo que él sabí¬a separar bien las cosas", dijo Wieseman hoy en una presentación preliminar de la exhibición. "Su arte ciertamente fue afectado por estos acontecimientos dramáticos en su vida, pero creo que el arte también era un escape para él, una terapia en cierto modo". Organizada por el Rijksmuseum de Amsterdam, adonde viajará tras su presentación en Londres, la muestra incluye más de 90 pinturas, dibujos y grabados de colecciones alrededor del mundo. Pero hubo una pintura clave que casi no llega a ser parte de la exhibición. "La conspiración de los bátavos bajo Claudio Civilis" pertenece a la Academia Real de Bellas Artes de Suecia y no ha salido de ese paí¬s en 45 años. "El préstamo sólo se aseguró hace un par de semanas", dijo Wieseman. "Es absolutamente crucial para la muestra y realmente fue una jugada crucial de último minuto".La pintura sobrevivió a un misterioso episodio en la carrera de Rembrandt. Es parte de una enorme obra que representa una revuelta tribal contra los romanos. Para los holandeses del siglo XVII, simbolizó su liberación del dominio español. La obra fue comisionada por el municipio de Amsterdam, pero se exhibió sólo por unos meses y fue retirada. Se desconoce la razón; posiblemente era demasiado intensa para los burgueses de la ciudad. Como ilustra la exposición, Rembrandt podí¬a ser inquebrantable ("Lección de anatomí¬a del doctor Deijman" incluye sangre y sesos en abundancia) pero también tierno, como lo muestran delicados desnudos y retratos í¬ntimos apacibles del hijo del artista.Las obras abarcan una variedad de técnicas y estados de ánimo. Hay experimentos con el claroscuro; dibujos delicados de bosques y granjas holandesas; grandes retratos de respetables de la sociedad; y escenas mitológicas y bí¬blicas. Pero es el rostro lo que permanece en la memoria. La esposa de un viejo mercante, Magaretha de Geer, luce como una mujer a la que no se debe tratar a la ligera en un retrato de Rembrandt. La vanidad, seriedad y una expresión distante y a la vez divertida parecen revolotear por los rostros de "Los síndicos de los pañeros".La diseñadora de moda Zandra Rhodes, objeto de un retrato estilo Rembrandt del fotógrafo Rankin para un proyecto que acompaña la exposición, dijo que la característica singular de Rembrandt era la profundidad de las imágenes. "En sus primeros años es como los demás pintores holandeses", dijo. "Y entonces su trabajo se vuelve muy, muy intenso"."Es un poco demasiado serio para mi gusto", agregó. "Preferirí¬a tener un Rubens" puntualizó. Rembrandt: The Late Works se exhibirá en la National Gallery hasta el 18 de enero, y en el Rijksmuseum de Amsterdam del 12 de febrero al 17 de mayo del 2015.

viernes, 21 de noviembre de 2014

VRINDAVAN CHANDRODAYA MANDIR: El primer templo rascacielos de la India

Una curiosa noticia proveniente esta semana de aquel lejano país, da cuenta de que la ciudad de Vrindavan va a acoger próximamente al primer templo-rascacielos de la India. En efecto, se tratará de un edificio de 210 metros dedicado a Krishna, uno de los dioses hindúes más adorados en este país asiático. Se prevé que el templo, esté construido en cinco años en la ciudad religiosa del estado de Uttar Pradesh. Costará 38,8 millones de euros. En él se realizarán fiestas y actividades religiosas durante todo el año para ser un reclamo de devotos y turistas, dando lugar a un parque temático que cuente también con un museo, salas de conferencia y hasta un centro de estudios sobre Krishna y su legado. El macroproyecto que está en marcha se elevará en un terreno de 20 hectáreas rodeado de jardines, canales de agua y árboles, según las proyecciones de su página web. La idea es crear el mismo ambiente que, según las escrituras sagradas, había en ese lugar hace 5.000 años. La estructura contará con tecnología punta para conseguir ese efecto. "Dentro del templo, un ascensor llevará a los visitantes hasta la planta 70 a través de una exhibición de luces y sonido con efectos en 3D, recreando los sistemas planetarios descritos en la antigua literatura védica", afirmó Chanchalapathi Dasa, de la fundación Akshaya Patra. La Sociedad Internacional para la Conciencia de Krishna(ISKCON) ha sido la encargada de diseñar el proyecto, cuyos fondos -según dicen- provienen de seguidores que esta deidad tiene en todo el mundo. Durante la planificación, los diseñadores se encontraron con diversos problemas, como la poca resistencia del suelo ante una estructura de tal envergadura o la contaminación del agua subterránea, cuya mezcla con cloro y azufre podría erosionar el acero, algo que será solucionado galvanizando ese material. El presidente de India, Pranab Mukherjee, visitó la construcción, la cual considera una maravilla arquitectónica, y se mostró optimista de cara a la acogida que tenga en un futuro. "Estoy contento de saber que el Gobierno de la India y el de Uttar Pradesh hayan adoptado diversas iniciativas para hacer que Vrindavan sea un centro del turismo religioso. Este proyecto añade una nueva dimensión a esa iniciativa y generará, esperemos, efectos positivos tanto para la sociedad como para la economía", afirmó el mandatario ante la prensa después de realizar un ritual hindú ante la obra. Mukherjee también felicitó a ISKCON por su trabajo en Vrindavan,ciudad en la que se cree que nació y creció Krishna, considerada una reencarnación del dios Visnu. Como sabéis, Krishna, representado con la piel de color azul, tiene miles de seguidores en India y en todo el mundo, por lo que la ciudad sagrada es un lugar de peregrinaje para muchos fieles. En Vrindavan se encuentra el templo Bankey Bihari, uno de los más famosos de esta corriente del hinduismo, al que también acudió el presidente indio a rendir tributos a sus dioses. La zona es conocida por estar plagada de monos que aprovechan el despiste de los visitantes para robarles sus pertenencias. Cuando este construida, el templo será 117 metros más alto que la Estatua de la Libertad de Estados Unidos y 82 más que el Buda del Templo de Primavera de China, que con sus 153 metros es la estatua más alta del mundo. Precisamente la India también está construyendo una estatua que desbancará de esa posición al Buda chino, con una obra de 182 metros en honor a Sardar Patel, uno de los padres de la independencia del país.

viernes, 14 de noviembre de 2014

ENIGMAS DE LA HISTORIA: El Disco de Festos

Desafiando todo lo conocido, en el mundo existen unos extraños artefactos considerados como “OOPArt“, un acrónimo en inglés de out of place artifact (‘artefacto fuera de lugar’ en español) y que sirve para denominar a un objeto de interés histórico, arqueológico o paleontológico que se encuentra en un contexto muy inusual o aparentemente imposible que podría desafiar la cronología de la historia convencional (a diferencia de otros que son un producto del engaño, dignos de figurar entre los grandes fraudes de la arqueología). A pesar del tiempo transcurrido, los científicos no se ponen de acuerdo acerca de su origen y tejen sobre ellos la más diversas teorías. Iniciamos esta serie con el Disco de Festos, (o disco de Phaistos) un curioso hallazgo arqueológico de finales de la edad de bronce. Fue descubierto el 15 de julio de 1908 por el arqueólogo italiano Luigi Pernier en la excavación de un palacio minoico en Festos (Phaistos), cerca de Hagia Triada, en el sur de Creta. Se trata de un disco de arcilla cocida con inscripciones en ambas caras, al cual se le ha datado a finales de la Edad del Bronce, en torno al 1700 a.C., es decir, hace unos 3700 años. Las inscripciones, realizadas mediante presión de sellos, son jeroglíficos en los que se mezclan signos similares a los de la escritura lineal A (el sistema empleado por la cultura cretense y todavía no descifrado en su totalidad) y la lineal B (la empleada por los micénicos) junto con otros de origen desconocido. Algunos investigadores le atribuyen por esto un origen no cretense, lo que ha convertido en uno de los más famosos misterios de la arqueología. También hay quien lo considera una falsificación obra de su propio descubridor. Las dudas provienen de las propias características del disco: que tenga bordes rectos, cuando todas las tablillas de la época los tienen curvos; que esté cocido, cuando las tablillas de arcilla no se cocían sino que las que se han hallado están cocidas por efecto de los incendios; y por último que en su fabricación se empleasen sellos tipográficos, cuando no existe ningún otro ejemplo similar en la Antigüedad, ni nada parecido hasta la invención de la imprenta por Guttenberg. Pero ahora Gareth Owens, del Instituto Tecnológico Educacional de Creta, cree haber descifrado el misterio de su significado. Las inscripciones - dice - estarían dedicadas a una madre embarazada en una de las caras, y una madre que ha dado a luz en la otra cara. Según Owens, existen tres partes en el disco en las que está representada la palabra I-QE-KU-RJA (YGEIAN + AGAPI), donde I-QE haría referencia a una mujer de gran importancia. En otro lugar también aparecería AKKA (madre embarazada). En total afirma haber podido leer hasta un 90 por cierto del disco, siguiendo un sistema similar al de la escritura lineal B. Y que el sentido general de las inscripciones es el de una oración religiosa. Lo cual podría tener sentido dentro del contexto de la época. Sin embargo, a pesar de estas aseveraciones, la duda persiste, ya que rigurosos investigadores señalan con propiedad que el Disco de Festos no podrá descifrarse mientras no aparezcan artefactos o inscripciones parecidas - cosa que no ha sucedido hasta el momento - y que todo lo que afirma Owens son simples especulaciones .Por lo visto, aun estamos muy lejos en saber la verdad.

lunes, 10 de noviembre de 2014

SAVELLI: El lujo hecho smartphone

La exclusividad no tiene precio y así lo entiende Savelli , quien ha presentado un dispositivo que viene en un estuche de oro blanco de 18 quilates incrustados con diamantes, lo cual eleva su precio considerablemente, En efecto, esta es la diferencia del smartphone de Savelli frente a la mayoría de móviles que ya existen en el mercado. Más que un aparato tecnológico, se trata de una joya que tiene un valor de 250 mil dólares. El principal objetivo de sus fabricantes era elevar un dispositivo a alta costura."Es el objeto más importante que uno tiene todo el tiempo; está en tu mano, en tu bolsillo, está a tu lado cuando duermes, puedes tocarlo hasta 100 veces al día", expresó Alessandro Savelli, CEO de la compañía, quien busca ganarse los corazones de los compradores de lujo, con la marca centrándose exclusivamente en las mujeres. "Considero que nuestros clientes realmente buscan algo especial, un objeto hermoso que usen cada día y sea extremadamente visible que permita formar parte de su persona", indicó Savelli. La colección limitada posee 11 smartphones impulsados por el sistema operativo Android y decorados con materiales lujosos, como zafiros y esmeraldas, y acabados con cuero de avestruz, pitón e iguana. Los modelos más costosos están limitados a 27 piezas. El Emerald Night, hecho a mano, está adornado con oro rosa de 18 quilates y 400 esmeraldas talladas, mientras que el Emerald Insante posee 75 esmeraldas con corte baguette sobre oro blanco. Las mismas técnicas y materiales usados en la fabricación de joyería se emplean para producir estos terminales, según señala Savelli. "Realmente no vemos a la industria de teléfonos móviles como competidora, sino que vemos más a los relojes y joyería como nuestro universo", dijo.Luego de su lanzamiento en Europa, la compañía ahora se enfoca en mercados emergentes como China, Medio Oriente y Rusia, donde el negocio del lujo está en constante auge.

viernes, 7 de noviembre de 2014

VELÁZQUEZ: Una gran retrospectiva en el Kunsthistorisches Museum de Viena

Hace unos días se inauguro en Viena la primera muestra monográfica en el mundo de habla alemana sobre el pintor español Diego Velázquez, un nexo entre Austria y España, dos países que estuvieron vinculados durante siglos por la Casa de los Habsburgo. «La historia común entre Austria y España es antigua. Una historia particularmente intensa en la época de Diego Velázquez entre las cortes de Madrid y Viena y que tuvo en el genio sevillano su vertiente más artística y genial», señaló la Reina Letizia de España durante la inauguración de la muestra en la capital austriaca. Titulada simplemente Velásquez, es el punto culminante para el Kunsthistorisches Museum en esta temporada y se espera que sea "un auténtico imán" para los amantes del arte, explicó la responsable de prensa del museo, Nina Auinger-Sutterlüty. “La presencia de la Casa de los Habsburgo en Viena y Madrid durante el siglo XVII explica que el Kusthistorisches Museum cuente en su colección con obras firmadas por el pintor español de su etapa de pintor de cámara”, explica en una nota el museo vienés. En efecto, hasta el próximo 15 de febrero se podrán ver en Viena obras maestras del pintor como La Venus del espejo, La adoración de los Reyes Magos, El príncipe Baltasar Carlos a caballo o La fragua de Vulcano. En total se podrán admirar 46 lienzos del artista, 12 pertenecientes a los fondos del Kunsthistorisches Museum y otros 34 procedentes del Museo del Prado de Madrid, la National Gallery de Londres, el Boston Museum of Fine Arts y el Museo Nacional de Budapest entre otras colecciones. La exposición divide ese material en tres etapas: las obras de su aprendizaje en Sevilla, en las que destaca la imaginería religiosa; su trabajo como retratista de la Corte de los Habsburgo y una última dedicada a sus temas favoritos, como mitos, fábulas o paisajes, entre otros. "Es sorprendente que el pintor español más importante del siglo XVII nunca haya sido objeto de una exposición monográfica en el mundo de habla alemana", confiesa la directora del Kunsthistorisches Museum, Sabine Haag. La muestra incorpora además una sección de destacados cuadros de Tiziano, uno de los maestros que inspiró al joven Velásquez y que permiten observar de primera mano su influencia. Para completar el fervor por Velázquez, la empresa de Correos austriaca ha anunciado que ha lanzado una serie de 220.000 sellos de alta calidad de «La infanta Margarita en traje blanco», en homenaje al maestro español.

lunes, 3 de noviembre de 2014

TURQUIA: La locura megalomaniaca de un dictador

Con una superficie de 300.000 metros cuadrados y tres bloques de edificios que suman 1.000 habitaciones, el nuevo palacio dictatorial de Turquía supera en tamaño a las residencias oficiales de cualquier otro jefe de Estado del mundo. Sin embargo el coste y la magnitud del edificio en país inmerso en una grave crisis económica ha provocado las críticas de la oposición, Los socialdemócratas han pedido una investigación parlamentaria sobre la construcción del grotesco edificio, un monumento al mal gusto de un tirano como Recep Tayyip Erdogan, patrocinador del terrorismo internacional y cómplice de ISIS (aquel grupo de asesinos financiados por EE. UU y entrenados en campos de Turquía y Jordania por agentes de la CIA y la Mossad israelí para luchar contra Siria, y que hoy se han convertido en una amenaza global). El edificio se construyó pese a una orden judicial que ordenó parar la obra tras una denuncia presentada por arquitectos e ingenieros que argumentaron que se habían vulnerado normas medioambientales. El nuevo edificio, bautizado como «Ak Saray» (Palacio Blanco), sustituye como residencia del jefe del Estado al Palacio de Çankaya, elegido en su día por el propio fundador de la república, Mustafa Atatürk. Cuando el edificio comenzó a construirse su destino original era ser ocupado por el primer ministro, cargo que entonces ocupaba Erdogan. Edificado en una zona boscosa que perteneció al propio Ataturk y que este donó al Estado en 1937, la finca ocupa 200.000 metros cuadrados de los que se han edificado 40.000, y su coste, que no se ha hecho público, se ha estimado en unos 275 millones de euros, según diversas informaciones en la prensa local. Su nombre juega con las siglas del partido de Erdogan, AK Parti, el complejo cuenta con 1.000 habitaciones y grandes medidas de seguridad, que incluyen búnkeres, túneles para protegerse de ataques químicos, defensas contra ciber-ataques y una “sala de guerra” subterránea. Además, una de sus oficinas está inspirada por el Despacho Oval de la Casa Blanca en Washington, según la prensa local, que además no tendría ningún elemento eléctrico para protegerla así del espionaje. En cuanto a su aspecto, se ha dicho que su arquitectura es una actualización del estilo selyúcida, en referencia a un pueblo precursor de los turcos que derrotó al Imperio Bizantino en 1071 y estableció un extenso imperio desde Anatolia hasta más allá de Persia y del Asia central. Por lo visto Erdogan tiene sueños de grandeza y se cree la reencarnación del maldito asesino Mahomet II, el infame  conquistador de Constantinopla. Venga ya ¿que se puede esperar de un demente?

viernes, 31 de octubre de 2014

DRÁCULA: El vampiro más famoso de la historia del cine

Es noche de Halloween y que mejor ocasión para referirnos en esta oportunidad a un controvertido personaje cuyo trágico destino ha sido inmortalizada en el séptimo arte. En efecto, ante el estreno de 'Drácula: La leyenda jamás contada', la ultima versión del celebre conde vampiro, que os parece si repasamos las múltiples sus encarnaciones cinematográficas ¿vale?: Drácula es uno de esos personajes clásicos que aparecen de manera cíclica en la cartelera. La leyenda del vampiro es un filón cinematográfico desde los orígenes del cine, y su poderoso atractivo no ha menguado con el paso del tiempo. Basada en la verdadera historia de Vlad Tepes, el valiente y su vez sanguinario Príncipe de Valaquia quien luchó en el siglo XV contra el expansionismo turco, y que inspiró al irlandés Bram Stoker al momento de escribir una de las novelas más famosas de todos los tiempos.No es la primera vez que el cine se interesa por la figura de "El Empalador", como se le conocía en la época por la crueldad con que trataba a sus víctimas. Desde los tiempos del cine mudo,la
presencia de Drácula  es una constante en la historia del cine. Es bien sabido que la expresionista Nosferatu (Nosferatu, Eine Symphonie des Grauens, F. W. Muranu, 1921) era una adaptación libre de la novela de Stoker, aunque el protagonista fuera renombrado Conde Orlock por problemas con la adquisición de los derechos del libro. Ese mismo año, el director austrohúngaro Károly Lajthay filmaba Drakula halála, donde el personaje ya aparecía usando su verdadero nombre. Desde entonces, resulta incontable la cantidad de veces que el célebre vampiro se ha asomado a la pantalla, incluyendo el remake de Nosferatu (Nosferatu: Phantom der Nacht) realizado en 1979 por Werner Herzog, protagonizado por un Klaus Kinski tan turbador como lo había sido Max Schreck en la versión silente. De hecho, pocos recuerdan otros papeles de Schreck, del mismo modo que también todo el mundo asocia a Bela Lugosi con Drácula. Su memorable interpretación en la versión, ya sonora, de Tod Browning, realizada en 1931, le identificó de tal manera con el
personaje, que acabó trastornado. La prueba es que en su testamento indicó que deseaba ser incinerado vistiendo su disfraz de vampiro, y así se hizo. Un último homenaje a una película que resumía las señas de identidad del fructífero ciclo de terror de la Universal. Otro actor cuya imagen resulta inevitablemente unida a Drácula  es Christopher Lee. Su encarnación del personaje coincide con el auge de la productora británica Hammer, que revisitó los mitos del terror clásico aprovechando las posibilidades del color y la mayor permisividad de la época (finales de los cincuenta y década de los sesenta). El conde interpretado por Lee (siempre con Peter Cushing tras sus pasos) potenciaba las alegorías sexuales asociadas al mito (el mordisco que simboliza la penetración) y ofrecía una lectura más moderna de la historia al espectador. La mejor cinta del periodo está firmada por el gran Terence Fisher: Drácula (Horror of Dracula, 1958), director que volvería sobre el personaje en Drácula, príncipe de las tinieblas (Dracula: Prince of Darkness, 1966). A raíz del éxito obtenido, la productora comenzó a utilizar a Lee en todo tipo de subproductos, incluso
entrados ya los años setenta. Habríamos que esperar hasta 1992 para encontrar a otro actor que se identificara tan intensamente con el personaje. Fue Gary Oldman, en Drácula de Bram Stoker (Bram Stoker's Dracula), interesante versión de Francis Ford Coppola que desde el título se arrogaba la cualidad de ser la adaptación cinematográfica más fiel al texto de la novela original. La película servía también para dar, si es que era necesario, un barniz arty e intelectual (director de prestigio, gran presupuesto, ambiciones comerciales) a una historia que quizá llevaba demasiado tiempo relegada a los sótanos de la serie B, la parodia y la cultura pop, a donde no tardaría en volver gracias, precisamente, al revival  del mítico personaje propiciado por Coppola, que tendría consecuencias como Drácula, muerto pero feliz (Dracula: Dead and Loving It, Mel Brooks, 1995), con el inevitable Leslie Nielsen, o Drácula 2001(Dracula 2000, Patrick Lussier, 2000), producida por el oportunista Wes Craven, entre otras. Hubieron de pasar varios años para que el conde vampiro volviera al cine y lo hace con Drácula: La leyenda jamás contada (Dracula: Untold, Gary Shore. 2014). No cabe duda que este 31 de octubre será propicio para ver la saga del conde vampiro en buena compañía. Feliz Noche de Brujas.

viernes, 24 de octubre de 2014

EL IDOLO DE SHIGIR: Una estatua de madera que esconde un código secreto escrito hace unos 9,500 años

Una noticia dada a conocer esta semana proveniente de Rusia,indica que grupo de científicos alemanes habría logrado acercarse más a la datación definitiva de la tal vez más antigua estatua del mundo, del cual se dice  que contiene códigos cifrados secretos escritos hace unos 9.500 años. En efecto, el Ídolo de Shigir, encontrado en 1890 en la región de Sverdlovsk, en los Urales  es dos veces más antiguo que las pirámides de Egipto y logró preservarse como en una cápsula del tiempo en una turbera en la periferia occidental de Siberia, Hecha con madera de un árbol de alerce, la escultura está cubierta con símbolos del periodo Mesolítico, los cuales todavía no han sido descodificados. Tiene unos 2,8 metros de altura y parece tener siete rostros. Estuvo protegida durante milenios por cuatro metros de capas de turba cerca de una mina de oro al aire libre. Conservada en el Museo de Historia de Ekaterimburgo, la falta de financiación había impedido hasta ahora comprobar apropiadamente la antigüedad de este tesoro de los Urales. Ahora,los científicos alemanes se han asegurado una subvención con la que esperan descifrar los secretos del ídolo: "No hay una escultura antigua como esta en el conjunto de Europa. Estudiar este ídolo es un sueño hecho realidad", afirmó el profesor Thomas Terberger, del Departamento de Patrimonio Cultural de la Baja Sajonia. Por su parte, Uwe Hoysner, del Instituto Arqueológico de Berlín, dijo: "El ídolo está tallado en madera de un árbol de alerce, que, como vemos por sus anillos anuales, tendría por lo menos 159 años de antigüedad. Las muestras que hemos seleccionado contienen importante información acerca de los isótopos que se corresponden con el momento en que el árbol creció". A su turno, Mikhail Zhilin, profesor del Instituto de Arqueología de la Academia de Ciencias de Rusia, dijo: "Esta es una escultura única, no existe otra igual en el mundo. El ídolo de Shigir es a la vez muy vital y muy complejo. Los adornos que lo cubren era la información cifrada de un conocimiento que las personas se transmitían".Las muestras utilizadas para las pruebas fueron cortadas en 1997, a partir de varias de sus partes extraídas de la turbera. El profesor Dmitry. I. Lobanov combinó los principales fragmentos para reconstituir la escultura de 2.80 metros de alto, pero en 1914 el arqueólogo siberiano Vladimir Tolmachev propuso una variante de esta reconstrucción mediante la integración de fragmentos no utilizados previamente. Algunos de estos fragmentos se perdieron posteriormente, por lo que sólo los dibujos de Tolmachev sobre los mismos permanecen. Estos dibujos sugieren que la altura original de la escultura era de 5,3 metros, de las cuales, 1,93 metros no sobrevivieron a las revoluciones y guerras del siglo XX y sólo pueden ser visibles a través de dichos dibujos. No obstante, su actual tamaño la hace ser la escultura de madera más alta del mundo. Una de las cuestiones más debatidas por los científicos rusos es cómo el ídolo -que era tan alto como una casa de dos pisos- se mantenía en posición vertical. El personal del museo cree que nunca se excavo en la tierra para ayudar a mantenerlo en pie, y que era poco probable que alguna vez se apoyara contra un árbol, porque el mismo habría cubierto más de la mitad de sus ornamentos. Es por ello que el personal del museo sugiere que el ídolo era un antiguo mapa. Las líneas rectas y curvas, así como las flechas, indicarían la manera de llegar a un destino y el número de días del viaje. Las líneas curvas significarían agua, las líneas rectas, barrancos o cañadas, y las flechas, colinas. Los resultados exactos de la datación se darán a conocer a finales de febrero o principios de marzo del año próximo.

viernes, 17 de octubre de 2014

ASSYRIA TO IBERIA AT THE DAWN OF CLASSICAL AGE: Una exposición que ilustra el apogeo del Imperio Asirio en New York

El MET de New York acaba de inaugurar hace unos días una exposición con 260 objetos datados entre los siglos VIII y VII AC, el periodo de apogeo del Imperio Asirio. Esculturas monumentales, relieves, lujosas joyas y refinados trabajos en metal. Las piezas ilustran las relaciones entre las orillas del Mediterráneo y Oriente próximo. El recorrido abarca la expansión militar asiria, la influencia fenicia y la introducción de imágenes y técnicas orientales en la artesanía local del oeste del Mediterráneo. Como sabéis, Asiria era un referente tecnológico, científico y cultural cuando, entre los siglos VIII y VII AC alcanzó el apogeo de su expansión. Estado independiente durante más de 13 siglos (aproximadamente del 2.500 al 605 AC hasta que fue conquistada por Babilonia), el Imperio Asirio era el mayor que se había conocido hasta entonces, la fuerza dominante de Oriente próximo con una franja continua de terreno desde Asiria (el actual norte de Irak) al Mediterráneo. Con el avance, las ciudades-estado del Levante mediterráneo, peligrosamente situadas en el borde de los dominios del imperio, se vieron forzadas a expandirse y fortalecer sus conexiones marítimas hacia el oeste y establecieron tratos comerciales a lo largo de la costa norte de África y la costa sur de Europa desde Gibraltar hasta el océano Atlántico. Las rutas fomentaban el comercio tanto de materias primas como de artículos de lujo, pero también el intercambio de ideas y de culturas entre Oriente próximo y el Mediterráneo.  Assyria to Iberia at the Dawn of the Classical Age (De Asiria a Iberia en los albores de la Antigüedad clásica)  - que se exhibirá hasta el 4 de enero del 2015 - revela a lo largo de unos 260 objetos artísticos las profundas raíces de estas relaciones y la influencia que tuvieron en las tradiciones artísticas de Oriente próximo y de las orillas del Mediterráneo. La muestra recopila piezas de 41 museos de 14 países, creaciones de antiguos artesanos anónimos que representan una cultura común. Botines de las tierras sometidas. El recorrido ilustra tres grandes procesos: la expansión terrestre de carácter militar de Asiria desde el norte de Mesopotamia hacia el oeste a comienzos del siglo X antes de nuestra era, la expansión marítima fenicia mediante el desarrollo de las relaciones comerciales y la fundación de colonias y la adopción y la adaptación de imaginería y técnicas de Oriente próximo por parte de los artesanos de la zona oeste del Mediterráneo. Una galería final representa el poder de Babilonia tras el saqueo y destrucción Nínive (capital asiria) en el 612 AC. Acompañando a los objetos hay textos bíblicos, de Herodoto y otros documentos relativos a la historia, los lugares y las costumbres que se mencionan en la muestra. La crueldad de los asirios era legendaria. Con cada nueva conquista, se sucedían los botines de las tierras sometidas, ya fueran materia prima u objetos elaborados. Los cofres asirios se llenaban, toda ciudad que se rebelaba era atacada y saqueada sin piedad. El arte oficial de la época tenía como fin glorificar los logros del rey y servir como documento de la agresiva política expansionista. Entre los ejemplos que se recogen de este periodo destaca una monumental estatua de las pocas que se conservan del rey asirio Asurnasirpal II, que gobernó entre el 883 y el 859 AC. En la figura tallada en piedra una inscripción cuniforme documenta la campaña del rey en el oeste y su llegada al "Gran mar". La joyería fenicia Los fenicios eran artesanos de talento y los artículos de lujo que confeccionaban tuvieron mucha demanda. Famosos por sus barcos, eran navegantes emprendedores y expertos, compradores de los mejores metales que pudieran encontrar en el oeste del Mediterráneo. Situados a lo largo de la costa de los actuales Líbano y Siria, estaban separados de los asirios por montañas, pero testimonios como las inscripciones de una joya de bronce de la época demuestran que había un contacto continuado. La muestra cuenta con joyería fenicia de oro de finales del siglo VIII AC. La sección dedicada a la adaptación de imaginería y técnicas de Oriente próximo en el oeste del Mediterráneo contiene artefactos encontrados en diferentes excavaciones arqueológicas y que sin embargo comparten motivos comunes. Esfinges, humanos con cabeza de pájaro, grifos... Los objetos suelen ser de producción local y demuestran que los artesanos incorporaron en su repertorio elementos que se correspondían a deidades orientales como Astarté. En fin, se trata de una extraordinaria muestra de un periodo controvertido de la historia.

viernes, 10 de octubre de 2014

EL AGUILA NAZI DEL ADMIRAL GRAF SPEE: Una invaluable joya que merece ser expuesta al mundo

Una noticia proveniente del Uruguay da cuenta de que el gobierno de ese país se enfrenta al dilema de subastar o exponer una imponente escultura del águila nazi que se encontraba en la popa del Graf Spee, un acorazado de bolsillo alemán hundido en 1939 por su propio capitán en la bahía de Montevideo, según informa esta semana The Guardian. Como sabéis, la escultura de bronce de 350 kilos fue sacada del mar en el 2006 por un empresario buscador de tesoros y después de un largo litigio ha sido declarada propiedad del Estado, que se ha dado un plazo de un mes para resolver su futuro. La escultura, de 2,8 metros de ancho por 2 de alto, es una pieza poco común ya que reúne los símbolos del águila y de la esvástica. Fue la insignia de uno de los avances tecnológicos de la Alemania nazi: el Admiral Graf Spee, un buque veloz y con los últimos avances armamentísticos pero de tamaño pequeño. Con sus 1.100 tripulantes, el crucero blindado se instaló cerca del Río de la Plata para impedir el abastecimiento enemigo en carne, lana y cereales. Los británicos fueron a su encuentro con tres naves de guerra, lo que dio lugar en diciembre de 1939 a la llamada Batalla del Río de la Plata. El Graf Spee sufrió algunos daños y  antes que rendirse, el  capitán del acorazado decidió hundirlo en la bahía de Montevideo y refugiarse en tierra con su tripulación. Para el arquitecto e historiador William Rey Ashfield, expresidente de la Comisión de Patrimonio de Uruguay (2007-2008), el águila sacada del mar fue testigo de la historia y debe ser expuesta en un museo que explique su contexto. Sin embargo, el especialista reconoce que la exhibición de objetos nazis es algo casi inexistente en el mundo, donde esos símbolos se han dado a conocer al público por el cine estadounidense. “Pasados tantos años impresiona el nivel de censura sobre los símbolos nazis, que deben ser asumidos como parte de la historia”, afirma William Rey. Coincidentemente,  el Gobierno alemán es de la misma idea y desde el 2007 reclama que el águila no se subaste - como pretende su descubridor -  y que por el contrario, sea expuesta al público. En efecto, el empresario y cazador de tesoros uruguayo Alfredo Etchegaray, quien fue el que localizó los restos del Graf Speey y sacó el águila del mar en una  costosa operación en el 2006, es quien  insiste en subastarlo. Si bien la justicia uruguaya le reconoce el 50% de los beneficios de una eventual venta, pero el cómo, cuándo y dónde de una hipotética subasta le corresponde al Estado. “Si esta invaluable  pieza se acompaña de un entorno histórico, puede ser expuesta en Uruguay y en el extranjero. He sabido que museos de Japón, Europa y Estados Unidos han expresado su interés por ella”, afirma Etchegaray, quien continuará la batalla judicial por recuperar su inversión. El precio de la estatua es otro tema de controversia ya que ha sido valorada en sumas millonarias (hasta 40 millones de dólares, 31,9 millones de euros) y que las grandes casas de arte internacionales como Sotheby`s y Christie´s  están dispuestas a incluirlo en sus catálogos. De momento, el águila está en un depósito de la Armada Nacional de Uruguay, quizá sabe hasta cuando en espera de su destino.

viernes, 3 de octubre de 2014

PATRIMONIO MUNDIAL: El Minarete de Jam (Afganistán)

Iniciamos esta nueva serie con la cual podrá descubrir los  más recónditos monumentos que existen en el mundo. Tesoros que han sido declarados como "Patrimonio de la Humanidad" por la UNESCO. Como sabéis, en la historia de nuestra civilización existen una gran cantidad de monumentos que bajo ningún concepto pueden ser destruidos o caer en el deterioro. Es por ello que desde 1972, la labor de la UNESCO ha sido preservar los lugares que tengan un valor universal excepcional desde el punto de vista de la historia, del arte o de la ciencia y los protege como una herencia de la Humanidad. El primero de nuestra lista esta ubicado en un remoto valle entre montañas de hasta 2.500 metros de altitud, en el corazón de Afganistán, el cual esconde uno de los tesoros de la Humanidad más espectaculares y extraños que se conocen, el Minarete de Jam. Se trata de una torre o alminar de ladrillo de 65 metros de altura, una construcción esbelta y llena de gracia que data del siglo XII, situado en mitad de la nada, a decenas de kilómetros de la población más cercana. Es también una de las muestras más espectaculares de arte islámico oriental, y probablemente la más aislada. Fue descubierto para occidente en el siglo XIX tras permanecer olvidado durante cientos de años y dado a conocer al resto del mundo a mediados del siglo XX por un equipo de arqueólogos franceses. Con casi un milenio de historia, el Minarete de Jam ha sobrevivido a guerras, revoluciones, terremotos y tempestades. Sin embargo, no fue el único alminar de su clase alzado durante la época. En los años del Imperio Gúrida más de sesenta torres similares se levantaron desde Irán a Asia Central y desde Irak a la India para honrar a los sultanes; no son pocas las que se conservan en lugares como la India ( donde se ubica la más alta del mundo) o Turkmenistán. Descubierto en 1885 por un inglés de la Comisión de Fronteras Afganas de nombre Thomas Holdich, permaneció desconocido durante siete décadas más hasta que el trabajo de dos arqueólogos franceses atrajo la atención internacional. En los setenta se siguió trabajando en la zona, pero las sucesivas invasiones y guerras que sufrió el país (la URSS, los talibanes, EE.UU.) no han permitido continuar los trabajos de manera regular. Tras resistir ocho siglos de guerras, el alminar estuvo cerca de ser destruido a principios del siglo XXI. Tas la caída del régimen de los Talibanes la zona quedó completamente a merced de los saqueadores, quienes procedieron a entrar en el sitio arqueológico y arrasaron con todo. Los tesoros que allí se encontraron fueron vendidos en mercadillos de Herat a Teherán. Asimismo, la erosión, provocada por la cercanía del río Jam, ha contribuido también a dañar la torre. Durante la pasada década fueron necesarios trabajos de restauración en la base del Minarete para evitar su caída. En la actualidad es un lugar de difícil acceso, debido al estado de guerra que vive el país, que es muy riesgoso para los occidentales acceder al lugar. Calificado por la UNESCO como un sitio en peligro, el Minarete de Jam merece ser preservado para la posteridad.

lunes, 29 de septiembre de 2014

MENUDA INTERROGANTE: ¿Marco Polo pudo haber “descubierto” América dos siglos antes que Colón?

Cada mes de octubre siempre salen a relucir en el mundo anglosajón diversas teorías acerca de quien fue el verdadero descubridor de América - tratando de menoscabar con ello  la gloria de Cristóbal Colón - todo dentro de esa “leyenda negra” tejida contra España durante siglos por sus enemigos para restar sus meritos: Que si fueron los vikingos, los fenicios o los chinos quienes se le adelantaron. Y para ello muestran como “pruebas” de su presencia en el Nuevo Mundo, una serie de objetos encontrados y extrañas edificaciones presumiblemente dejados por aquellos viajeros en tiempos remotos. Venga ya, pudiera ser que efectivamente hayan visitado América  antes que Colon, pero su presencia - si ello ocurrió - fue esporádica y paso desapercibido, a diferencia de lo que sucedió en 1492 cuando fueron dadas a conocer al mundo y entraron en la historia. Precisamente, siguiendo esa misma tónica, este viernes fue dado a conocer la existencia de un mapa  que revela que Marco Polo, el  famoso explorador italiano del siglo XIII, habría podido ser el primer europeo en 'descubrir América', dos siglos antes de que Cristóbal Colón llegara al continente, según cuenta Smithsonian Magazine . En efecto, se dice que en la década de 1930 un grupo de científicos encontraron 14 documentos, entre ellos un mapa hecho en una hoja de piel de oveja, en una caja que pertenecía a un inmigrante italiano en San José, estado de California. Los documentos nunca habían sido estudiados hasta ahora. Es probable que en el llamado 'Mapa con el buque' figuren el estrecho de Bering, Alaska, las islas Aleutianas y la costa occidental de Norteamérica. El documento, que pudo haber sido compuesto por la hija de Marco Polo, Bellala, evidencia que el explorador italiano encontró a un mercante sirio en la península de Kamchatka y luego continuó su viaje a través del estrecho de Bering hacia Norteamérica. Antes de este viaje el mercante había advertido a Marco Polo de la existencia de tierra a 40 días de camino hacia el este de Kamchatka, según reza la revista. Si Polo hubiera viajado a Norteamérica, habría cruzado el estrecho de Bering, un brazo de mar de 82 kilómetros que separa el punto más oriental de Asia y el Cabo Príncipe de Gales, en Alaska. La nueva tierra, según indican los documentos, fue llamada 'la Península de Focas' y estaba dos veces más lejos de China que Kamchatka. Los documentos afirman que Polo salió a la búsqueda de nuevas tierras. Análisis de los documentos revelaron que Polo llegó a la citada península y encontró a gente que llevaba la piel de focas, comía sólo pescado y vivía en chozas excavadas en tierra. Los documentos también mencionan un gran glaciar que se extendía hacia el mar. Los documentos contienen texto en italiano, latín, árabe y chino. Sin embargo, la revista subraya que el 'Mapa con el buque' tiene un estilo diferente de otros documentos realizados en la misma época. El mapa revela lugares que no sólo se mencionan en los diarios de Polo, sino también en otros documentos históricos. Vaya uno a saber si ese mapa sea autentico o se trate de otra falsificación mas. Por lo visto, aun escuece que no haya sido un pirata ingles quien descubriera un nuevo mundo ¿no os parece?

viernes, 26 de septiembre de 2014

AMOSU CALL OF DIAMOND IPHONE 6: El Smartphone más caro del mundo

Tras el reciente lanzamiento del megaesperado iPhone 6,  el famoso joyero británico, Alexander Amosu ha sido contratado para crear una versión de lujo del  citado smartphone, en oro macizo de 18 quilates, incrustado completamente con diamantes y con el exorbitante precio de £1.7 millones (aprox. $2.7 millones/€2 millones) – al tipo de cambio actual. Considerado ahora como el iPhone 6 más caro del mundo, tomará aproximadamente dos meses para su fabricación, al recrear todo el cuerpo del teléfono en oro macizo de 18K con un peso aproximado de 85gm, y ser incrustado cuidadosamente con más de 6,127 brillantes diamantes en color VVS1 IF El logotipo de Apple será cortado en la forma exacta, de un diamante de 51.29 quilates (10.258g) con un corte de cojín impecable. Alexander Amosu ha bautizado a su creación como “Amosu Call of Diamond iPhone 6” y ha adelantado  que será realiente exclusivo, especialmente dirigido  - como no podía ser de otra manera – a Dubai. Si el precio de €2 millones está un poco fuera de tu alcance, entonces puedes considerar la versión más barata del diseñador – el Iphone 6 Amosu de 24 Quilates – con un precio de £2,399 (aprox. $3,893/€3,013) – disponible ya para ordenar por anticipado en su sitio.

viernes, 19 de septiembre de 2014

FRANCIA: El museo del Louvre lanza el proyecto 'Pyramide' para recibir mejor a sus visitantes

El museo del Louvre se prepara para mostrar un nuevo rostro gracias al proyecto Pyramide, primera etapa de una profunda remodelación de sus infraestructuras destinada a recibir mejor a sus más de 9 millones de visitantes anuales, según informó esta semana The Figaro, En efecto, el proyecto, presupuestado en 53,5 millones de euros, se enmarca en una estrategia global de revalorización de las colecciones iniciada a finales de junio y que concluirá en 2017, sin que la pinacoteca deje de funcionar en ningún momento. Este es uno de los aspectos más complejos del plan, que se realizará por etapas, sobre una superficie de 7.000 metros cuadrados, según indicaron los responsables de las obras en una cita con la prensa inaugurada por una visita de las infraestructuras actuales. El presidente y director del Louvre, Jean-Luc Martínez, resaltó a continuación que el proyecto responde a dos necesidades principales, recibir mejor al público y favorecer así su encuentro con el arte, pero también permitir que los agentes del museo trabajen en mejores condiciones. Es decir, sin la continua algarabía que padecen bajo la pirámide acristalada del arquitecto chino-estadounidense Ieoh Ming Pei inaugurada en 1989, convertida en uno de los distintivos de París y en elemento obligado de toda visita al Louvre. Razón por la que el 60 % del público entra en el museo por sus puertas giratorias centrales, dos de los elementos llamados a desaparecer, en este caso para agilizar el acceso. De la mejor y más invisible manera posible, el proyecto deberá además proteger a los agentes del sol potenciado por el vidrio del icónico poliedro, bajo el que trabajan durante horas. Todo ello sin tocar apenas la magistral arquitectura de Pei, quien ha dado su aprobación a los cambios propuestos por la agencia de arquitectura Search. Más de nueve millones de visitantes Martínez adelantó que en 2014, como en los dos años anteriores, se prevé que el museo vuelva a superar los 9 millones de visitantes. En 1983, cuando se comenzó a proyectar la pirámide, el Louvre recibía 2,5 millones de visitantes y cuando la inauguró, en 1989, pasó a 4,5 millones, para alcanzar los 9,7 millones en 2012 -año inaugural del departamento de Artes Islámicas- y 9,3 millones en 2013. Entre el 60 y el 70% son "primovisitantes" y el 70% extranjeros, a quienes la reestructuración en curso evitará colas para entrar al museo y una vez dentro les permitirá orientarse mejor, pero también adquirir su entrada, acceder a los sanitarios y el guardarropas más fácilmente. El proyecto Pyramide no termina ahí, pues incluye entre otras medidas la reestructuración de la venta de entradas por internet, que se espera que esté operativa en la primavera de 2015. La realización de un nuevo plano-guía y la instalación de paneles trilingües en todo el museo, francés, inglés y español, hasta ahora existentes solo en francés forman parte de las mejoras previstas. Tras la remodelación, se espera igualmente que el emblemático, luminoso pero también ruidoso Hall Napoleón recupere bajo la pirámide "su nobleza y serenidad". La financiación no requirió subvención estatal, ya que utilizará los ingresos aportados por la participación del Louvre en la creación del futuro Louvre en Abu Dabi, indicaron. Primero gracias a un fondo de dotación de 120 millones de euros, cuyas rentas costearán alrededor de un cuarto del presupuesto, mientras que el resto se completará gracias a los préstamos de obras también a Abu Dhabi, y un 10 %, entre 5 y 6 millones, quedarán en manos del mecenazgo.

lunes, 15 de septiembre de 2014

DUBAI: Exhiben las primeras Xbox One y PS4 de oro

Menuda noticia que publica The Daily Mail, y como es obvio, proviene de Dubai. Para no desentonar en los salones de los multimillonarios de los petrodólares, la empresa Jumbo Electronics  de Dubai ha anunciado las versiones de oro de las consolas de videojuegos Xbox One y PS4. Estas han sido presentadas en la convención Games14 de Oriente Medio, donde ya pueden ser vistas y apreciadas por el público. Si bien algunos pueden considerarlo un objeto de lujo, para la gran mayoría son una completa ridiculez, más aun  al ser exhibidas sin ningún reparo en una convulsionada  región que está como está, con guerras sangrientas y genocidios sin nombre que ocurren a no muchos kilómetros de los palacetes donde se instalarán. Ambas consolas están bañadas en oro y han sido diseñadas por el joyero italiano Gatti, lo que le da un plus importante al precio final. “Se trata de un gran artículo de colección para los jugadores que aman el lujo”, publicitan en su web.  En cuanto a su precio, como podéis imaginar, será bastante elevado, ya que él que quiera poseerla, tendrá que desembolsar nada menos que £8.363,73 (unos €11,500 o $13,500 al cambio) Aparte de la cifra, el segundo impedimento es que se venden únicamente en Dubai, lugar famoso por sus excentricidades y la gran cantidad de gente adinerada que allí reside. Si estás interesado, simplemente tienes que dirigirte a Jumbo Electronics donde os darán mayor información. ¿Gastarías tanta pasta en uno de estos sets de entretenimiento?

viernes, 12 de septiembre de 2014

LATE TURNER, PAINTING SET FREE: Una deslumbrante muestra del Turner tardío en la Tate Britain

Le llamaron "demente", "senil" y cosas peores. Hasta su más devoto defensor, el crítico John Ruskin, advirtió que sus últimas obras eran "un claro indicador de su enfermedad mental". Y sin embargo, Joseph Mallord William Turner seguía creando como si nada en su estudio, ajeno a los naufragios y a las tormentas, revisando sus paisajes inmortales y experimentando con la luz como nunca antes. "El mito del pintor de la luz envuelto en las tinieblas en el ocaso de su vida ha persistido hasta hace relativamente poco", advierte David Blayney Brown, comisario de 'Late Turner: Painting Set Free': una deslumbrante muestra del Turner tardío que abre sus puertas esta semana en la Tate de Londres. "Los críticos de su época no tuvieron piedad con él, y es cierto que el pintor acabó sumido en una depresión tras la muerte de su padre", recalca Blayney. "Pero hasta sus años finales siguió pintando con una gran intensidad, y experimentando por igual con el óleo y con la acuarela. Muchos de los cuadros de esa época nunca fueron exhibidos, ni siquiera sabemos con certeza si Turner llegó a considerarlos como acabados". "Existe también otra leyenda que conviene también desmontar: la del pintor romántico como precursor del impresionismo o del arte abstracto", asegura el comisario de Late Turner. "Sus últimas obras no son exactamente una ruptura, sino el final de un proceso. Turner explora y experimenta, pero es algo que ha estado haciendo toda la vida. Es cierto que se desmarca de otros pintores victorianos, pero lo hace para ponerse al día y sin una intención clara de crear escuela". De hecho, en el último Turner se dan la mano el pasado y el futuro. Ahí están, siempre bien patentes, su obsesión por el mar y esa visión épica y narrativa del paisaje, si acaso más difusa. La progresión se acentúa, eso sí, en el momento en que el pintor deja atrás los grandes formatos y elige los marcos cuadrados y redondos, donde sus obras adquieren aún más esa cualidad giratoria de vórtice o torbellino. Pese a la variedad temática, los nueve cuadros reunidos en 'La cuadratura del círculo' (una exquisita selección de obras realizas entre 1840 y 1846) son un fascinante viaje a ese último Turner que tanto mareó a los críticos. Mención especial merece ese 'Luz y Color (teoría de Goethe): la mañana después del Diluvio-Moisés escribiendo el libro del Génesis' que llegó a ser exhibido en 1843 y que creó el total desconcierto. A la misma época pertenecen dos acuarelas que desafían también a la tradición realista: 'Un fuego en la Torre de Londres' y 'El sol avanzando hacia el mar en Venecia'. Hasta el final de sus días buscó refugio en las costas de Kent para huir ocasionalmente del marasmo de Londres, donde buscó siempre la cercanía del Támesis, La Tate se suma así, con esta deslumbrante muestra de todo lo que fue capaz de iluminar el maestro después de los sesenta, Turner fue uno de los primeros pintores libres, y desde esa libertad logró acercarse a lo sublime.

viernes, 5 de septiembre de 2014

ANCIENT LIVES, NEW DISCOVERIES: El Museo Británico explora con tecnología digital ocho de sus momias más notables

Padiamenet tenía dos trabajos en el templo egipcio de Ra, en Tebas (actual Luxor): era el jefe de los guardias que custodiaban la entrada y el barbero de los sacerdotes, una actividad que también desempeñaba en el templo de Amón. El hombre medía 1,70, sufría de ateroesclerosis (acumulación de grasa en las arterias) y tenía numerosos abscesos dentales. Vivió en el año 700 antes de nuestra era, durante la dinastía XXV. Cuando murió tenía entre 35 y 50 años y sus restos fueron embalsamados y depositados en un espléndido sarcófago policromado. Hubo un par de pequeños contratiempos en el proceso, uno de ellos derivado de la altura del difunto, demasiada para entrar en el sarcófago. Hubo que modificarlo para que entraran los pies. Sabemos tanto sobre su vida porque Padiamenet es ahora una de las momias más preciadas de la colección del Museo Británico de Londres. Junto a otros siete ejemplares, recientemente fue sometido por los investigadores del centro a nuevas pruebas que han permitido conocer detalles sobre su pasado y el de la sociedad que lo embalsamó. Con una selección de ocho asombrosas momias, la exposición titulada Ancient lives, new discoveries (Vidas antiguas, nuevos descubrimientos), en el Museo Británico que se exhibirá hasta el 30 de noviembre, es la prueba de cómo los avances científicos y tecnológicos han permitido ahondar en el estudio de los restos humanos de la antigüedad. Saber más de las personas. Aunque la primera momia entró en la colección del museo en 1756, hasta los años sesenta no se examinaron por dentro. Fue entonces cuando se las analizó por primera vez con rayos x, en los noventa las sometieron a la primera tomografía axial computarizada (TAC) y los descubrimientos que permitieron las pruebas perfilaron la ciencia médica como una herramienta eficaz para descubrir también el pasado. En la muestra interactiva - con imágenes digitales y gráficos en 3D - el visitante puede explorar de manera virtual el interior de los sarcófagos, comprobar el estado de conservación de los cadáveres bajo las mortajas y saber más de las ocho personas que habitaron en el Valle del Nilo hace miles de años y que fueron embalsamadas con las más depuradas técnicas del momento. Los ejemplares (procedentes de Egipto y Sudán) abarcan un periodo de tiempo de 4.000 años, desde el periodo predinástico a la era cristiana. Los organizadores han puesto especial énfasis en revelar diferentes aspectos de la vida y los rituales funerarios a partir de la vida de las ocho personas, completando la narrativa con objetos de la colección como amuletos, instrumentos musicales, comida, recipientes. Destacan que la momificación se aplicaba a personas de diferentes rangos sociales, no era exclusiva de los faraones. Asimismo las momias descubren breves biografías como la de un niño de más o menos dos años de edad que vivió entre el año 40 y el 60, la de adulto con graves problemas dentales que con seguridad sufrió de terribles dolores, la de una niña que ya con siete años cantaba en el templo de Amón - un privilegio que tuvo que ver sin duda con que perteneciera a una familia de alto rango - y que, dentro del sarcófago, conserva incluso el pelo en buen estado.En el apartado de la página web del museo dedicado a la muestra, hay información sobre cada pieza, fotos y vídeos de testimonios de especialistas que cuentan a qué se dedicaban las personas, qué se sabe de su vida, qué tienen de particular con respecto a otras, qué significan los símbolos que adornan los sarcófagos. Las momias se presentan así como piezas que no sólo preservan restos mortales, sino que hablan de los aspectos más terrenales de vidas de hace miles de años.

viernes, 29 de agosto de 2014

SMITHSONIAN MAGAZINE: Desentrañando el misterio de Stonehenge

Debajo del misterioso conjunto megalítico Stonehenge podría haber otros 15 monumentos más, sugiere una reciente investigación calificada de "revolucionaria" por algunos medios británicos. En efecto, durante años se ha especulado sobre el origen y la función de este conjunto megalítico y al día de hoy Stonehenge sigue envuelto en el misterio. Sin embargo, un equipo de arqueólogos ha realizado el primer estudio subterráneo detallado de la zona que lo rodea y los resultados son sorprendentes y revolucionarios, señala un artículo publicado en el portal Smithsonian. La investigación, llevada a cabo por la Universidad de Birmingham y el Instituto de Prospección Arqueológica Ludwig Boltzmann (Austria), se prolongó durante cuatro años y se realizó con la ayuda de magnetómetros y radares de penetración terrestre, una herramienta empleada por geofísicos que permite obtener imágenes del subsuelo. Vince Gaffney, profesor de arqueología en la Universidad de Birmingham que lideró el estudio, señala que posiblemente haya otros 15 monumentos neolíticos desconocidos hasta la fecha alrededor de Stonehenge. Estos incluirían estructuras arquitectónicas denominadas 'henges' (túmulos, hoyos y zanjas), que podrían albergar información valiosa sobre el famoso yacimiento prehistórico. Según Gaffney, los hallazgos sugieren que Stonehenge no fue un monumento aislado en un paisaje virgen, sino que había mucha actividad humana en las inmediaciones. Asimismo, el arqueólogo señala que el círculo de piedra estaba en el corazón de un recorrido procesional hace más de 4.000 años. Aunque será necesario excavar en el área para corroborar los datos del estudio, Gaffney asegura que se trata de una investigación sin precedentes que arroja luz sobre el uso de Stonehenge.

viernes, 22 de agosto de 2014

THE CRIMEA - GOLD AND SECRETS OF THE BLACK SEA: Un fabuloso tesoro de los escitas que Holanda se niega a devolver a Rusia

Venga ya, a estos piratas holandeses se les ve el plumero. Resulta que este 31 de agosto llega a su fin en Amsterdam  la exhibición “The Crimea - Gold and secrets of the Black Sea (Crimea, Oro y secretos del Mar Negro) compuesta por mas de mil preciosos objetos que muestran la rica historia de la península de Crimea colonizada por los griegos desde el siglo VII antes de Cristo. Sin embargo, tras la reunificación soberana de la península a Rusia  (a la cual pertenecía hasta 1956) tras un referéndum el pasado 15 de marzo donde el mas 90 % aprobó su retorno, y debido a las presiones de EE UU y la OTAN, quienes consumaron un golpe de Estado en Ucrania, el gobierno holandés en un acto de inaceptable piratería se niega a devolverlo a sus legítimos propietarios, en este caso Crimea - hoy parte  eterna e indivisible de Rusia - alegando puerilmente que debido a que Occidente no reconoce su reunificación “estudia ahora la forma de retornarla a sus legítimos dueños”.algo que fue rechazado terminantemente por el gobierno ruso que exige su inmediata devolución. Así, tanto ministro ruso de Cultura, Vladímir Medinski, como la presidenta del Senado ruso, Valentina Matvienko, coincidieron en que la cuestión sobre la colección del oro de escitas está politizada y que las piezas deben ser devueltas a los museos de Crimea. “Mi opinión personal es que deben devolverlas al lugar de donde las sacaron”, agrego Matvienko. Recordó que el oro de escitas fue descubierto en Crimea y forma parte de su historia  y que el museo  -y no el gobierno ucraniano – fue quien firmó el contrato directamente con los Países Bajos. Es más, este viernes, Mikhail Shvydkoi, representante del presidente Putin para la cooperación cultural internacional, quiso zanjar la cuestión con una advertencia. “No puedo precisar el procedimiento legal para el retorno, porque puede haber varias formas de hacerlo. Pero el conjunto forma parte del patrimonio cultural de la región”, afirmó. La exposición, inaugurada en Ámsterdam a principios de febrero,  se basa en una colección de objetos arqueológicos de cinco museos de Crimea. Entre ellos, figuran piezas de oro, un casco ceremonial y piedras preciosas. Como sabéis, el Ministerio ucraniano de Cultura declaró falazmente en la víspera que los objetos “deben devolverse a Kiev ya que fueron sacados del país antes de la adhesión de Crimea a Rusia y ahora pertenecen a Ucrania”.Por su parte, la comisaria de la exposición, Valentina Mordvíntseva, informó a su vez de que Ámsterdam garantizó devolver la colección a los museos crimeos que son sus legítimos propietarios. Esperemos que se imponga la razón y el tesoro  de los escitas pueda volver a Crimea, adonde pertenece.
                   
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actualidad cultural
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