En el corazón de Benín, la ciudad de Abomey -antigua capital del Reino de Dahomey - resguarda un legado histórico único: los Palacios Reales de Abomey. Construidos entre 1625 y 1900 por doce monarcas que se sucedieron en el poder, estos palacios se erigen como un testimonio imponente de una dinastía que marcó la historia de la región. El Reino fue fundado en 1625 por el pueblo Fon , que lo convirtió en un poderoso imperio militar y comercial, que dominó el comercio con los traficantes de esclavos con los europeos en la Costa de los Esclavos hasta finales del siglo XIX, a quienes vendían sus prisioneros de guerra. [En su apogeo, los palacios podían albergar hasta 8000 personas. El palacio del Rey incluía un edificio de dos pisos conocido como la "casa cauri" o akuehue. Bajo los doce reyes que se sucedieron de 1625 a 1900, el reino se estableció como uno de los más poderosos de la costa occidental de África . La UNESCO había inscrito los palacios en la Lista del Patrimonio Mundial de África . Posteriormente, el sitio tuvo que ser incluido en la Lista del Patrimonio Mundial en Peligro, ya que Abomey fue azotado por un tornado el 15 de marzo de 1984, dañando el recinto real y los museos, en particular el Pórtico del Rey Guezo, la Sala de los Ases, la Tumba del Rey y la Sala de las Joyas. Sin embargo, con la ayuda de varios organismos internacionales, se completaron las obras de restauración y renovación. Basándose en las obras correctivas realizadas y los informes recibidos sobre estas renovaciones en Abomey, la UNESCO decidió retirar los Palacios Reales de Abomey, Benín, de la Lista del Patrimonio Mundial en Peligro en julio del 2007. Hoy en día, los palacios ya no están habitados, pero los del rey Ghézo y del rey Glélé albergan el Museo Histórico de Abomey, que ilustra la historia del reino y su simbolismo a través del deseo de independencia, la resistencia y la lucha contra la ocupación colonial. Los opulentos palacios construidos por los 12 gobernantes del reino dentro del recinto enclaustrado de Abomey funcionaron entre 1695 y 1900 como el centro cultural tradicional del Reino de Dahomey. El primer gobernante en iniciar la construcción de palacios fue el rey Houegbadja , fundador de la ciudad. Según el folclore, los descendientes de la familia real de Abomey, que construyó los 12 Palacios Reales, son descendientes de la princesa Aligbonon de Tado y una pantera. Su reino existió en la zona sur de la actual República de Benín, en Abomey. Sin embargo, la historia documentada se remonta al siglo XVII, a dos de sus descendientes: Do-Aklin y Dakodonou . Houegbadja (1645-1685) fue el rey que estableció el reino en la meseta de Abomey y estableció el marco legal para su funcionamiento, su papel político y las normas de sucesión. El rey Agaja (1718-1740) derrotó al reino de Allada en 1724 y al reino de Whydah en 1727. Esto resultó en la muerte de varios prisioneros. Muchos de ellos también fueron vendidos como esclavos en Ouidah , entonces llamada Gléwé (casa de víboras). Estas guerras marcaron el inicio del dominio de la trata de esclavos de Dahomey (que se realizaba a través del puerto de Whydah con los europeos). Sin embargo, en el siglo XIX, con el auge del movimiento antiesclavista en Gran Bretaña, el rey Guézo (1818-1858) inició el desarrollo agrícola en el país, lo que resultó en una mayor prosperidad económica del reino lograda mediante las exportaciones de productos agrícolas como el maíz y el aceite de palma. De 1892 a 1894, luego de que los fon volvieran a saquear el valle de Ouémé, Francia declaró la guerra a Dahomey . Tras una serie de decisivas victorias francesas durante la Segunda Guerra Franco-Dahomeyana , tomaron el palacio de Singboji. El rey Béhanzin , último rey independiente de Dahomey, y los restos de su ejército huyeron al norte cuando los franceses entraron en la capital el 17 de noviembre. Los franceses eligieron al hermano de Béhanzin, Goutchili, como nuevo rey. Béhanzin fue finalmente deportado a Martinica . Su sucesor, el rey Agooli Agbo, solo pudo gobernar hasta su deportación a Gabón en 1900. En 1960, cuando el actual Benín se independizó de Francia, originalmente se llamó Dahomey. La historia oficial del reino fue registrada y seguida a través de una serie de bajorrelieves de tierra policromada . La cultura dahomeyana estaba profundamente arraigada en una intensa reverencia hacia los reyes de Dahomey y tenía un gran significado religioso. Cada rey estaba simbolizado en una colcha común con apliques. Las ceremonias formaban parte de la cultura, y el sacrificio humano era una de sus prácticas. La ciudad donde se construyeron los palacios estaba rodeada por una muralla de adobe con una circunferencia estimada en 10 kilómetros (6 millas), atravesada por seis puertas y protegida por una zanja de 1,5 m (5 pies) de profundidad, llena de una densa vegetación de acacias espinosas , la defensa habitual de las fortalezas de África Occidental. Dentro de las murallas se encontraban aldeas separadas por campos, varios palacios reales, un mercado y una gran plaza que albergaba los cuarteles. Cada palacio tenía un diseño distinto para adaptarse a los caprichos de los reyes. El Kpododji, a través del Honnouwa, formaba el primer patio interior del palacio, mientras que el segundo patio interior, Jalalahènnou, estaba junto al Logodo . El Ajalala, un edificio singular con múltiples tipos de aberturas, se encuentra en el segundo patio; sus muros presentan decoraciones con sugestivas imágenes en bajorrelieve. Los palacios de Glèlè y Guézo, que sobrevivieron al incendio intencional de 1894 provocado por Béhanzin, fueron restaurados y ahora forman parte del museo. Los materiales de construcción fueron tierra para los cimientos, pisos y estructuras elevadas. La carpintería se realizó con especies de palma , bambú , iroko y caoba . El techo era de paja y lámina metálica. Cabe precisar que los bajorrelieves funcionaban como un libro de registro (a falta de documentos escritos) para registrar los eventos significativos en la evolución del pueblo fon y su imperio, relatando las victorias militares y el poder de cada rey y documentando los mitos , costumbres y rituales del pueblo fon . Sin embargo, en 1892, desafiando la ocupación francesa , el rey Behanzin (1889-1894) ordenó que la ciudad y los palacios fueran incendiados. Providencialmente, la mayoría de los monumentos sobrevivieron al incendio y muchos palacios han sido restaurados desde entonces. Placas de cobre y latón adornaban las paredes. Los bajorrelieves estaban incrustados en muros y pilares. Estaban hechos de tierra de hormigueros mezclada con aceite de palma y teñida con pigmentos vegetales y minerales. Representan uno de los elementos más impresionantes de los palacios, que ahora se exhiben en el museo y han sido reemplazados por réplicas. Por cierto, muchos de los objetos expuestos en el museo, que formaban parte de las ceremonias religiosas celebradas por los reyes en el pasado, son utilizados aún ahora por la familia real de Dahomey en sus ritos religiosos. En reconocimiento de la singular importancia cultural de estos monumentos, la UNESCO inscribió los Palacios Reales de Abomey en la Lista del Patrimonio Mundial en 1985. El sitio inscrito consta de dos zonas: los palacios, que forman la zona principal, y la Zona del Palacio de Akaba, en la parte nornoroeste del sitio; ambas zonas están rodeadas por muros de adobe parcialmente conservados. La inscripción de la UNESCO declara: «De 1625 a 1900, doce reyes se sucedieron al frente del poderoso Reino de Abomey. Con la excepción del rey Akaba, que utilizó un recinto separado, todos construyeron sus palacios dentro de la misma zona de muros de adobe, en consonancia con los palacios anteriores en cuanto al uso del espacio y los materiales. Los palacios reales de Abomey son un recuerdo único de este reino desaparecido». En tanto, el Museo Histórico de Abomey se encuentra en un edificio de 2 hectáreas (5 acres), fundado en 1943 por la administración colonial francesa. Abarca todos los palacios de una superficie de 40 hectáreas (99 acres), en particular los palacios de los reyes Guézo y Glèlè . El museo cuenta con 1050 piezas, la mayoría de las cuales pertenecieron a los reyes que gobernaron Danhomè El museo alberga además numerosas piezas que representan la cultura del Reino de Dahomey. Algunas de las piezas más significativas son la colcha "rey" con apliques, tambores tradicionales y pinturas de ceremonias y de la guerra entre Francia y Dahomey. El 24 de diciembre del 2020, el gobierno francés promulgó una nueva ley que permite la restitución permanente de varios objetos culturales de colecciones francesas (producto de los saqueos durante la época colonial), a Senegal y la República de Benín . Así, tras el informe del 2018 sobre la restitución del patrimonio cultural africano , 26 estatuas que habían sido robadas por las tropas francesas durante el saqueo de los Palacios Reales de Abomey en 1892 y donadas por el coronel francés Alfred Dodds a un predecesor del Musée du quai Branly en París, constituyen las primeras restituciones permanentes bajo la nueva ley. De esta manera, los 26 objetos culturales fueron repatriados a Benín y, a principios del 2022, se exhibieron en el Palacio de la Marina de Benín en Cotonú . Se ha programado que los objetos viajen por todo el país y se expongan en varios museos durante los próximos años, para finalmente quedar expuestos de forma permanente en el Museo de las Epopeyas de las Amazonas y los Reyes de Danhomè en Abomey. La descolonización de los museos forma parte de un creciente movimiento global para repatriar los bienes culturales a su país de origen. El sitio de los Palacios Reales de Abomey siempre ha incluido espacios sagrados respetados por las familias reales y la población, donde la organización de ceremonias rituales es una forma de salvaguardarlos adecuadamente.
Ajeno al escándalo mediático montado por un dolido Elon Musk con sus absurdas acusaciones, Donald Trump como buen megalómano, sigue adelante con sus planes de llevar a cabo un desfile militar con tanques en su honor que recorrerá Washington el día de su cumpleaños, el próximo 14 de junio y esta vez, nada ni nadie lo detendrá. Cabe precisar que esta idea no es nueva, ya que el Pentágono, durante su primer mandato, se opuso a su anhelo de celebrarlo; se buscaba – afirmaron en esa oportunidad – “mantener a las fuerzas armadas al margen de la política”. Pero en el segundo mandato de Trump, esa barrera de seguridad desapareció. Este año habrá desfile, y nada menos que el día en el que el presidente cumple 79 años. El plan actual involucra una escenificación formidable en el centro de Washington: 28 tanques M1A1 Abrams (de 70 toneladas cada uno, los más pesados en activo), 28 vehículos blindados de transporte de tropas Stryker, más de 100 vehículos de otros tipos, un bombardero B-25 de la época de la Segunda Guerra Mundial, 6700 soldados, 50 helicópteros, 34 caballos, dos mulas y un perro. El ejército calcula el coste del destile entre 25 y 45 millones de dólares. Pero podría ser mayor porque el ejército ha prometido arreglar las calles de la ciudad que el desfile dañe, además de que el coste de la limpieza y la policía aún no forman parte del cálculo. Aunque 45 millones de dólares es una fracción pequeña del presupuesto del Pentágono propuesto por Trump, de 1,01 billones de dólares para el año fiscal 2026, la decisión del desfile sucede cuando el gobierno pretende recortar de manera drástica la financiación de la educación, la salud y la asistencia pública. “Es mucho dinero”, reconoció Steve Warren, portavoz del ejército. “Pero creo que esa cantidad de dinero queda chica por los 250 años de servicio y sacrificio del ejército de Estados Unidos”. Por cierto, el ejército no describe al acto como desfile por el cumpleaños de Trump. Es el desfile de cumpleaños del ejército. El Ejército Continental se formó oficialmente el 14 de junio de 1775, por lo que el 14 de junio se cumplirán 250 años. Pero también coincide con el cumpleaños de Trump. No hubo un gran desfile en Washington cuando el ejército cumplió 200 años en 1975, cuando las cicatrices de su humillante derrota en la guerra de Vietnam aún estaban abiertas. Aunque se celebraron conmemoraciones más pequeñas en bases militares de todo Estados Unidos con cenas baile, coros de cuartetos de barbería o barbershop quartets y celebraciones con pasteles, poca gente quería glorificar al ejército a tan poco tiempo luego del tiroteo de Kent State. Además, el país se estaba preparando para las grandes celebraciones del bicentenario del año siguiente. Si esta vez las cosas fueran igual de discretas, Fort Myer, al otro lado del río Potomac, en Arlington, Virginia, podría ser un lugar ideal, “donde la Vieja Guardia podría desfilar con algunos veteranos”, dijo el senador por Rhode Island Jack Reed, principal demócrata del Comité de las Fuerzas Armadas, en referencia al 3.º Regimiento de Infantería, la unidad de infantería en activo más antigua del ejército. “Pero se trata de Trump quien ha ordenado que desfile por el centro de la capital”, añadió Reed, hablando con los periodistas la semana pasada en el Defense Writers Group. “Concuerda con gran parte de lo que está haciendo”. Los oficiales del ejército dicen que el desfile cruzará frente al punto de observación de Trump en la avenida de la Constitución, cerca de la Casa Blanca, la noche del sábado 14 de junio, como parte de una gran fiesta en la Explanada Nacional. Habrá soldados en el desfile que se alojarán en dos edificios gubernamentales, según las autoridades. Dormirán en catres militares y llevarán sus propios sacos de dormir, un tema muy comentado en los programas de medianoche de televisión. Habrá Paladines, los enormes obuses autopropulsados, y guiños al pasado. Los oficiales del ejército quieren que algunos soldados usen uniformes de las guerras de antaño, como la de 1812 o la Guerra Hispanoamericana. Durante más de dos años, el ejército ha estado planeando aspectos nacionales, mundiales e incluso interestelares de la celebración: un astronauta del ejército en la Estación Espacial Internacional llamará por teléfono, dijo Warren. Pero esas celebraciones que estaban planeadas se centraban en festivales, una estampilla postal, carreras divertidas variadas, bandas militares y cosas por el estilo. En algún momento de este año, dijeron oficiales del ejército, apareció en los planes un desfile militar en Washington. Aun así, los oficiales dicen que de momento no hay planes para cantar “Cumpleaños feliz” a Trump, o al ejército, durante el desfile. Sin embargo, uno de los planes prevé que paracaidistas de los Caballeros Dorados, el equipo de paracaidistas del ejército, aterricen en medio de los festejos y entreguen a Trump una bandera. En el 2017, durante su primer mandato, Trump presenció el desfile del Día de la Bastilla en París con el presidente de Francia, Emmanuel Macron, y regresó a casa con ganas de celebrar el suyo. Pero el Pentágono durante la primera gestión de Trump obstaculizó la idea. Jim Mattis, secretario de Defensa en ese momento, dijo que “preferiría tragar ácido”, según Holding the Line, un libro de Guy Snodgrass, antiguo escritor de discursos de Mattis. “Todos en este país somos conscientes del afecto y el respeto del presidente por los militares”, dijo Mattis escuetamente cuando los periodistas le preguntaron por los deseos de Trump. “Hemos estado elaborando algunas opciones. Las enviaremos a la Casa Blanca para que tome una decisión”. El general Paul Selva, entonces vicepresidente del Estado Mayor Conjunto, dijo a Trump durante una reunión en el Pentágono que los desfiles militares eran “lo que hacen los dictadores”, según The Divider, de Peter Baker, periodista del New York Times, y Susan Glasser. Cuando Mattis se fue, Trump volvió a mencionar la idea. El sucesor de Mattis, Mark Esper, respondió con un “desfile aéreo” como parte de las celebraciones del 4 de julio del 2020, dijeron funcionarios del Pentágono. Una serie de aviones de combate y otros aviones de guerra sobrevolaron la Costa Este estadounidense sobre ciudades que tuvieron un papel en la Revolución de las Trece Colonias, como Boston, Nueva York y Filadelfia. Funcionarios del primer Departamento de Defensa de Trump se resistieron a su sugerencia de desfile —nunca fue una orden directa— porque consideraban que ubicaba al ejército en medio de la escena política, algo que el Pentágono se ha resistido a hacer históricamente. Pero ahora Trump cuenta con el secretario de Defensa, Pete Hegseth, y con líderes militares que se han mostrado más dispuestos a poner en práctica sus deseos. Esto “plantea la cuestión de si el ejército estadounidense está celebrando a Trump”, dijo Risa Brooks, profesora asociada de Ciencias Políticas en la Universidad de Marquette. “Tener tanques por las calles de la capital no parece algo coherente con la tradición de un ejército profesional y altamente capacitado”, dijo Brooks en una entrevista. “Más bien parece un ejército politizado y volcado hacia el interior, centrado en adversarios internos en lugar de externos”. Ha habido grandes desfiles militares estadounidenses en el pasado, pero el último fue hace casi 35 años, para conmemorar el final de la primera Guerra del Golfo. Tradicionalmente, los desfiles militares en Estados Unidos se han realizado al final de grandes conflictos, como la Guerra de Secesión y las dos guerras mundiales. También hubo desfiles militares en tres tomas de posesión presidenciales durante la Guerra Fría. Y algunas fiestas en pueblos pequeños también conmemoran a los militares con vehículos blindados y soldados. “En realidad, no veo el problema de un desfile militar”, dijo Kori Schake, exfuncionaria de defensa del gobierno de George W. Bush, quien dirige los estudios sobre política exterior y de defensa en el American Enterprise Institute. Schake dijo que más estadounidenses necesitan ver a los soldados que sirven al país. “Si ver a nuestros conciudadanos estadounidenses de uniforme fomenta el conocimiento público y la conexión, o inspira el voluntariado, sería beneficioso”, dijo. A fin de cuentas, “los militares no van a dar batalla en esto”, dijo Peter Feaver, profesor de ciencias políticas de la Universidad de Duke, quien ha estudiado a los militares durante décadas. “El equipo del segundo mandato de Trump es mejor dando al presidente lo que quiere, y sus deseos son ordenes” aseveró.
Pensemos en los vikingos y nos viene a la cabeza aquellas hordas nórdicas que desataron el terror en toda Europa, atacando por sorpresa, saqueando y matando a todos los que estuvieran a su paso, llegando a cruzar Rusia y sitiar por sorpresa Constantinopla, aunque no llegaron a tomarla. Sus ansias de aventuras los llevaron incluso hasta las costas de Terranova y fundar Vinlandia (Canadá) en el Nuevo Mundo, adelantándose por siglos a la gesta de Cristóbal Colon. Sin embargo, hubieron dos vikingos quienes lideraron su propio asalto - condenado al fracaso - en un territorio mucho más al sur: Marruecos. Se trata de una historia poco conocida y del que no tenemos mucha información por parte de los vikingos, pero si de sus victimas, en este caso los musulmanes, quienes al momento de estos ataques, controlaban casi toda la península ibérica, a excepción de una región ubicada en el noroeste de España: Galicia. Cabe precisar que "moros" es un nombre común que se le daba a las personas de ascendencia árabe o bereber que habían vivido en una zona conocida como Mauritania desde la época romana. Este no era el país del mismo nombre que conocemos hoy, sino una gran extensión del norte de Marruecos. Para cuando los vikingos se aventuraron más al sur, el norte de África también era musulmán. En el año 859, una flota de 62 barcos vikingos partió del Loira con destino a Iberia. Al frente de ella se encontraban dos jefes de los que se sabe poco. Uno era Björn Järnsida, cuyo nombre suele traducirse como Björn Ironside; el otro era un extraño personaje llamado Hastein según la mayoría de las fuentes. Björn Ironside era hijo de Ragnar Lothbrok , un rey danés y sueco que dirigió numerosas incursiones en las Islas Británicas en el siglo XIX. Como era costumbre en aquella época, Lothbrok envió a sus hijos más jóvenes a participar en esas incursiones para que no le causen problemas en casa, como querer arrebatarle el trono. Ironside partió con una gran flota hacia Francia, y que fue testigo de innumerables incursiones vikingas a principios de la Edad Media. Lideró un asalto a París y construyó su propia fortificación con vistas a Ruán. Su base se encontraba principalmente en torno al Sena. Entretanto, se menciona a Hastein como el padre adoptivo de Ironside. Sabemos poco de su vida anterior, salvo que era danés y que ambos hombres participaron codo con codo en numerosas incursiones por Francia. Sus aventuras los llevaron primero al reino de Asturias, ubicada al norte de España, donde fueron derrotados. Con la esperanza de tener mejor suerte más al sur, navegaron por toda la Península, realizando escaramuzas en los alrededores de Lisboa, hasta llegar a Andalucía, donde se dirigieron tierra adentro hacia Sevilla. Pero al ser detenidos por los musulmanes, continuaron hacia el sur, rumbo a Algeciras. Allí, encontraron menor resistencia, por lo que incendiaron la mezquita local y procedieron a navegar por el estrecho de Gibraltar que separa Europa de África, la puerta de entrada al Mediterráneo desde el Atlántico. Fue entonces cuando comenzó la breve aventura vikinga en Marruecos. Alrededor del año 859 d.C., los vikingos ya habían establecido los primeros contactos con las culturas africanas. En el Libro de caminos y reinos, un texto de geografía del siglo XI (un texto fragmentado y que ha dado pie a numerosas interpretaciones), el geógrafo, botánico e historiador hispanoárabe Abu Abdullah al-Bakri describe a los vikingos como majus, un término utilizado para definir a los paganos y a los adoradores del fuego. Cuando Hastein, Ironside y sus hombres continuaban saqueando el corazón de Marruecos, llegaron a una ciudad conocida entonces como Nekor. Fundada 200 años antes por Idris ibn Salih, reconocido a su vez como el fundador histórico de Marruecos, Nekor era el centro cultural, aunque ya no político, de la región del Rif. Definida y bautizada en honor a las montañas del Rif, Nekor personificaba la civilización musulmana contra la que los vikingos llevaban meses luchando. La ciudad fue tomada y saqueada durante ocho días, siendo sus habitantes capturados para venderlos en los mercados de esclavos de Irlanda, en un punto determinado del río Liffey. Allí se estableció el gran asentamiento vikingo que con el tiempo dio lugar a la actual Dublín, capital de Irlanda. El asalto de Nekor es también mencionado por la crónica de Abdullah al-Bakri que lo describe así: "Majūs, que Dios los maldiga, llegaron a Nakūr en el año 244 (858–859). Tomaron la ciudad, la saquearon y esclavizaron a sus habitantes, excepto a los que se salvaron huyendo. Hoy en día, no queda nada de la ciudad de Nekor, ya que sus restos yacen enterrados bajo las aguas de la presa de Abdelkrim Khattabi. La ciudad actual más cercana es Bni Bouayach, a medio camino entre Tánger y la actual frontera con Argelia. En total, los nórdicos permanecieron en Nekor durante ocho días, decidieron que ya habían tomado todo lo que necesitaban, se dirigieron a la costa en dirección al sur de Francia. Cruzando el Mediterráneo, llegaron a Córcega para pasar el resto del invierno en la isla, antes de atacar Narbona y Nimes. Posteriormente, los vikingos causaron estragos en Italia, abriéndose paso hasta la ciudad de Luni, en el sureste de Liguria, pero sin llegar hasta Roma, que era la intención original. Continuaron hacia el este y luego regresaron a lo largo de la costa norteafricana. Los detalles de este viaje de regreso son escasos, salvo que recogieron más esclavos, pero luego se encontraron con tormentas cerca del Estrecho de Gibraltar. Cuando regresaron a su base en el Loira, sólo quedaban 20 barcos de los 62 de la flota original. Mucha gente había sido desarraigada, ya sea llevada como esclava a Irlanda, mientras que a algunos vikingos que se convirtieron al Islam, se les permitió establecerse en Jerez de la Frontera, cerca de Cádiz. Es pura conjetura, pero pasado 500 años, quizás descendientes de estos vikingos navegantes se encontraban entre los marineros que partieron con Cristóbal Colón rumbo al Nuevo Mundo en 1492...
Fue una majestuosa estatua de unos 12 metros de altura esculpida por Fidias en oro y marfil y colocada sobre un enorme pedestal en la cella oeste del Partenón, el magnífico templo que se encuentra sobre la acrópolis de Atenas, el cual se construyó entre los años 447-432 a.C., durante la edad de oro o siglo de Pericles. Estaba dedicado a la deidad patrona de la ciudad, la diosa Atenea. El templo se construyó para albergar la nueva escultura de oro y marfil que rendía culto a la diosa, obra del maestro escultor Fidias, así como para proclamar al mundo el éxito de Atenas como líder de la liga de fuerzas griegas en las guerras médicas. La figura de culto, que se comenzó a construir en el 447 a.C. y se instaló en el templo en el 438 a.C., fue el símbolo de la gran ciudad durante un milenio, hasta que desapareció de los anales de la historia. Por suerte, las copias que se hicieron de la estatua, de las cuales la más completa es la estatuilla de Varvakeion del siglo II d.C., y de algunos detalles escultóricos, así como las descripciones hechas por Plutarco y Pausanias, nos permiten reconstruir con bastante precisión su apariencia original. Cabe precisar que el nombre Partenón deriva de uno de los muchos epítetos de Atenea: Atenea Pártenos, que significa ‘virgen’. Partenón significa 'casa de Pártenos', que fue el nombre que se le dio en el siglo V a.C. a la cámara (cella) en el interior del templo donde se albergaba la figura de culto. A partir del siglo IV a.C., el edificio en su totalidad adquirió el nombre de Partenón. Aunque el exterior estaba ricamente decorado con adornos magníficos, nunca se pretendió que la escultura más importante fuese otra que la gigantesca estatua de Atenea en el interior. De hecho, hay pruebas de que el templo se construyó a medida para acomodar a la estatua crisoelefantina (de oro y marfil) de Atenea hecha por Fidias. El escultor ya era conocido por la colosal estatua de bronce Atenea Prómacos que se erigía sobre la acrópolis y que podía verse desde el cabo Sunión, y Pericles le encargó crear una estatua a la altura de la mayor polis griega y de su divinidad tutelar. La Atenea Pártenos se trataba, así, de una enorme estatua que, según Plinio el Viejo, medía 11,5 metros de altura (26 codos). Estaba compuesta por un armazón de madera revestido de marfil tallado para las zonas de la piel y de oro (1.140 kilos o 44 talentos) para todo lo demás. Además, las piezas de oro se podían desmontar con facilidad en caso de necesidad económica. Para los adornos adicionales se utilizó cristal, cobre, plata y piedras preciosas. Se calcula que la estatua le costó a la ciudad unos 5.000 talentos, una suma inmensa que supuso un coste superior al de la construcción del propio Partenón. La estatua se alzaba sobre un pedestal de 4,09 por 8,04 metros, estaba orientada hacia la puerta este y la rodeaban las columnas dóricas de un peristilo situado en el interior de la cella. Frente a la estatua, excavado en el suelo, había un depósito de agua grande pero poco profundo que tenía la doble función de reflejar la luz en la cámara y mantener una atmósfera húmeda para una mejor conservación del marfil. La cavidad en el suelo del templo en la que se colocó una columna central a modo de punto de apoyo de la estatua sigue siendo visible hoy en día. La estatua representaba a Atenea en pie, majestuosa, completamente armada y sosteniendo en la mano derecha una estatua de 4 codos de altura de Niké. Atenea vestía un peplo que se ajustaba con un cinturón. Con la mano izquierda sujetaba un escudo grande y circular que descansaba sobre el suelo. Además, a su lado izquierdo había una lanza y una enorme serpiente sagrada que se enroscaba entre sus pies y el escudo. Sobre su yelmo de triple penacho se erigía una esfinge y, a cada lado, dos grifos con alas de Pegaso. Unos grifos también decoraban las lengüetas protectoras de las mejillas. El torso de la diosa estaba cubierto por la égida decorada con serpientes que Zeus le había regalado, con la cabeza de la gorgona Medusa labrada en marfil. Los bordes de las sandalias de Atenea estaban decorados con detalles de la guerra mitológica entre los centauros y los lápitas. En la peana de la estatua se representaban escenas del nacimiento de Pandora, a la que vigilaban los dioses más importantes del monte Olimpo. El escudo de la estatua era una maravilla en sí mismo y fue objeto de muchas copias en épocas posteriores. Según Plinio el Viejo, en la cara exterior se representaban escenas de la batalla de Teseo contra las amazonas y, en la cara interior, la batalla contra los gigantes. Las alrededor de 30 figuras de la cara exterior probablemente se hicieron de plata o bronce. El centro del escudo lo dominaba, de nuevo, la cabeza de Medusa (el gorgoneion), rodeada de duelos entre griegos y amazonas en poses dramáticas sobre un fondo con elementos paisajísticos y fortificaciones. Al igual que las esculturas en el exterior del Partenón, estas imágenes de los griegos que se alzan victoriosos ante criaturas foráneas, como los centauros o las amazonas, representaban una poderosa metáfora visual de la victoria griega sobre los persas y una forma de celebrar haber defendido con éxito su independencia y modo de vida. La estatua debió ser sin duda sobrecogedora y su riqueza - tanto artística como material - debió enviar un mensaje alto y claro sobre la riqueza y poder de una ciudad que podía ofrecer semejante tributo a su diosa patrona, además del poder la propia diosa. Es testimonio de la perdurabilidad del legado artístico de la estatua la larga procesión de copias contemporáneas y posteriores en época helenística y romana, no solo de la estatua al completo, sino también de algunos detalles como el busto o las escenas de la amazonomaquia. Como se ha mencionado anteriormente, la representación mejor conservada y más completa de la obra maestra perdida de Fidias es la estatuilla de Varvakeion, una copia en mármol romana de 1,05 metros de altura del siglo II d.C. que se encuentra actualmente en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas. Entre otras figuras completas, aunque con algunos daños, se incluye la Atenea Lenormant, otra copia romana del siglo II o III d.C., de 42 centímetros de altura (también en Atenas); la estatuilla de Patras de 86 centímetros de altura (en Patras); una figura de 1,54 metros de alto que se encuentra actualmente en Boston, y una versión helenística de Pérgamo que mide 3,1 metros y conserva de forma parcial algunas figuras de la peana (en Berlín). Representaciones detalladas del busto se pueden encontrar en el medallón de oro del siglo IV d.C. en San Petersburgo y en el intaglio en jade rojo del siglo I d.C. que se encuentra actualmente en el Palazzo Massimo alle Terme (en Roma). La estatua de Niké que sujetaba Atenea en la mano también fue objeto de numerosas copias: destaca, por ejemplo, la copia de Cirene a tamaño real que se conserva en Filadelfia. Entre las copias del escudo se encuentra el escudo de Strangford, una versión del siglo III d.C. que se halla en el Museo Británico (en Londres). Además, también se conservan escenas de las amazonas extraordinariamente representadas en losas de relieve romanas del siglo II d.C. procedente de un naufragio en el Pireo, expuestas actualmente en el Museo Arqueológico del Pireo. En cuanto a la estatua original, cómo desapareció y por qué nadie lo ha encontrado es un misterio. Una teoría es que fue llevada a Constantinopla, y allí habría sido destruida por los cruzados durante el asalto a la ciudad en 1204.
La Historia es una disciplina viva y en constante cambio. Se suele decir que actualmente sabemos más de la antigua Roma que los propios romanos, pero sigue siendo mucho más lo desconocido que aquello sobre lo que tengamos certezas del pasado. Y en este apasionante estudio a veces se dan descubrimientos que obligan a reescribir los manuales de historia. Estos hallazgos revolucionarios suelen llevar a debates y polémicas, porque el ser humano tiende a resistirse a los cambios bruscos. Si, además, añadimos la posibilidad de falsificaciones sumamente realistas, nos sale un menú de lo lindo solo apto para paladares finos y que gustan de probar cosas arriesgadas. Procedamos a la cata. Tenemos entrandas que sorprenden y bocados que saben a gloria, aunque el postre nos ha quedado un poco amargo. Todo maridado con un misterio delicioso. El servicio comienza en el año 1998, cuando se descubre a los comensales un extraordinario papiro datado a inicios del siglo I. Con sus 32 centímetros de ancho y casi dos metros y medio de largo, el rollo abrió muchas bocas que no podían contener la fascinación. Todavía más sorprendente y misterioso resulta su contenido: tiene escrito un elogio a la ciencia geográfica, una descripción de Iberia (España) acompañada de un mapa de la región y un puñado de dibujos de pies, manos, cabezas humanas y animales exóticos etiquetados con sus nombres. Cocina fusión de la que uno no es capaz de averiguar qué está comiendo. Claudio Gallazzi y Bärbel Kramer fueron los encargados de realizar el primer estudio sobre la pieza para intentar poner un poco de orden entre tanto ingrediente. Estos papirólogos describieron tres vidas distintas para el papiro. Originalmente formaría parte de una edición de la obra de Artemidoro de Éfeso, un geógrafo helenístico del siglo II a. C. de cuya obra solo teníamos conocimiento a partir de las menciones posteriores por parte de otros autores como Estrabón y Esteban de Bizancio. Por motivos desconocidos, aunque algunos apuntaron a un error en el mapa representado, la edición de la obra se abandonó y se continuaría en otro papiro en blanco. Claro que el material para escribir no era barato y no iban a desperdiciar el resto del papiro sin utilizar. Es entonces cuando se utilizó para realizar bocetos que sirvieran como modelos previos a la realización de esculturas y pinturas. Es decir, de seguir estos supuestos, el papiro de Artemidoro era un papel en sucio que se utilizó para hacer algunas anotaciones antes de tirarlo y desperdiciar su espacio en blanco. La tercera y última fase tiene que ver con otro reciclaje. El papiro fue utilizado como cartonaje en la confección de una máscara mortuoria para una momia, pasando los siguientes veinte siglos en una tumba. En este estado fue encontrado, pero el propietario decidió desmontar la máscara funeraria para comprobar qué decían aquellos textos. Así fue como se recuperó el papiro en cuestión gracias a la restauración llevada a cabo en el Instituto de Papirología de la Universidad de Milán. El descubrimiento hacía salivar a los curiosos. Y, como toda alta cocina, la experiencia se hace cara. La Fondazione per l’Arte della Compagnia di San Paolo compró el papiro por 2,75 millones de euros en el 2004. Era el rollo de papiro más caro del mundo. Con semejante expectativa fue expuesto al público por primera vez en el 2006. La exhibición mostraba “Las tres vidas del papiro de Artemidoro” que defendía el estudio de Gallazzi y Kramer. Suponía la descripción de Ibería más antigua conocida hasta la fecha. En el papiro se podía leer: “Desde los montes Pirineos hasta los lugares del entorno de Cádiz y de las regiones del interior, todo el país se llamaba de manera sinonímica Iberia e Hispania. Ha sido dividido por los romanos en dos provincias...”. Con la exposición saltó un debate que todavía no se ha resuelto. Luciano Canfora, de la Universidad de Bari, escribió un artículo en el que lo tachaba de falso. No solo expuso sus objeciones, sino que señaló a Constantino Simonidis, un famoso falsificador del siglo XIX, como autor del documento. El revuelo fue considerable y tuvo mucho impacto mediático. El papiro estaba destinado a la colección del Museo Egipcio de Turín, pero no llegó a exponerse por las serias sospechas de que se tratase de una falsificación. El asunto se ha extendido hasta fechas recientes y ha desembocado en los tribunales. En el 2018, la Fiscalía de Turín emitió con un comunicado en el que consideraba “ampliamente probada” la falsedad del documento. La investigación cargó contra Serop Simonian, el comerciante de arte que vendió el papiro en el 2004. Sin embargo, el caso ha sido archivado por que el delito de estafa ya prescribió. Con todo, sigue habiendo estudiosos que defienden la autenticidad del documento. Los que defienden la autenticidad del papiro argumentan que según la datación del carbono 14 el papiro fue fabricado entre el final del siglo I a. C. y el principio del siglo I d. C. Añaden que un falsificador del siglo XIX habría tenido muchas dificultades para imitar la escritura de la época porque en aquellos tiempos los únicos modelos disponibles eran los papiros de Herculano, cuya grafía es diferente de la del papiro de Artemidoro, y además el falsificador no habría tenido la posibilidad de datar con carbono 14 el papiro blanco que quería utilizar. Un tercer argumento a favor de su autenticidad sería que en él aparece un signo para indicar los millares, un sampi (una letra que vale 900) con un multiplicador alfabético, cuyo significado no fue comprendido hasta 1907, unos años luego de que hubiera muerto Simonides. Un último argumento es que este fabricaba sus falsificaciones para venderlas y en este caso no existe ninguna mención del papiro en la época en que él vivió. Por lo tanto, el misterio sigue presente en esta alargada sobremesa.
A finales del siglo IX el cadáver de un pontífice fue el protagonista de uno de los episodios más extraordinarios de la historia del papado, episodio del que el historiador Gregorovius dijo que fue «una escena de barbarie como ningún otro período ha conocido». En efecto, hablar de Formoso y las peripecias de su cadáver nos lleva a sumergirnos de lleno en la convulsa situación política de la Roma de esa época. Si se echa un rápido vistazo a la lista de papas por aquellos tiempos ya se aprecia que la Ciudad Eterna no era precisamente un remanso de paz. Entre los años 872 y 965 se sucedieron en Roma nada menos que 24 papas, nueve de ellos en un lapso de apenas nueve años (de 896 a 904), de los cuales un buen número fueron asesinados o destituidos. Hubo pontífices envenenados, como Juan VIII; encarcelados tras un mes escaso en el cargo, como León V, o que llegaron al poder con apenas dieciocho años cumplidos, como Juan XII. En ese tiempo, el papado participó en las violentas luchas de poder entre las distintas familias dirigentes de la ciudad y, al mismo tiempo, en una disputa más amplia por el control de la península Itálica, entre los emperadores de Alemania, que durante todo el siglo IX se erigieron como protectores de la Iglesia y señores de Italia, y nuevas dinastías en alza, como los marqueses de Spoleto, que aspiraban a establecer un reino de Italia independiente. Formoso se vio envuelto de lleno en todos estos conflictos. Desde su consagración en 866 como obispo de Porto –una diócesis situada en la desembocadura del Tíber, ligeramente al norte de Ostia–, desempeñó numerosas misiones diplomáticas en nombre del papado que lo llevaron a Bulgaria, Constantinopla y la corte carolingia. En esos años, Formoso tomó partido por Arnulfo de Carintia, un bastardo de la dinastía imperial carolingia que aspiraba a imponerse como rey de Italia. Esta opción le valió a Formoso ser expulsado de su diócesis y excomulgado por el papa Juan VIII, temeroso de que Roma perdiera su independencia ante el Imperio. De este modo, una noche Formoso y sus seguidores se vieron obligados a huir de Roma ante la amenaza de un juicio por corrupción e inmoralidad. Formoso encontró refugio en la corte de Guido de Spoleto y permaneció varios años en el norte de Lombardía esperando tiempos mejores. Éstos llegaron con el fugaz pontificado de Marino I, quien en 883 levantó la excomunión sobre Formoso y lo restituyó al frente de su antigua diócesis de Porto. Bajo los dos siguientes pontífices, el efímero Adriano III y Esteban V, Formoso permaneció tranquilo en su cargo episcopal, hasta que en 891, a la muerte de Esteban, fue escogido como papa de Roma. El nuevo pontífice tuvo que enfrentarse a una situación política envenenada. Poco antes, Guido de Spoleto, tras derrotar a un rival, había sido coronado rey de Italia en Pavía y a continuación se dirigió a Roma para obligar al papa Esteban V a coronarlo emperador.Este tuvo que confirmar la coronación de Guido y reconocer al hijo de éste, Lamberto, como sucesor del Imperio. Sin embargo, Formoso veía con preocupación el dominio del nuevo rey de Italia y enseguida empezó a enviar invitaciones en secreto a Arnulfo de Carintia, ahora en el trono carolingio, para que acudiera a socorrerlo. En el año 893, Arnulfo hizo una primera incursión hasta Milán y Pavía. Tres años más tarde, muerto Guido y habiendo sido coronado emperador en Roma su hijo Lamberto, Arnulfo atravesó Italia y asedió Roma. En el interior de la ciudad, los seguidores de los Spoleto se rebelaron y apresaron al papa, al que recluyeron en el castillo de Sant’Angelo. Pero nada pudieron hacer contra los invasores. Formoso fue liberado y a los pocos días coronó emperador a Arnulfo en la basílica de San Pedro. Pero a los pocos meses, el pontífice fallecía a los ochenta años, envenenado, según se dijo más tarde. Algunos lo alabaron como un papa justo y piadoso; otros, en cambio, no podían perdonarle la traición a los Spoleto en beneficio del alemán Arnulfo. En un mundo tan turbulento, lleno de intrigas y rencores personales como la Roma de finales del siglo IX, la historia no podía acabar así. A la muerte de Formoso los romanos eligieron a Bonifacio VI, que murió a los quince días. Fue sucedido por Esteban VI, un antiguo seguidor de Formoso que inicialmente reconoció al emperador Arnulfo, pero que, en cuanto éste abandonó Italia, se alineó con Lamberto de Spoleto. Decidido a tomarse el desquite por lo sucedido meses antes, Lamberto se dirigió a Roma, ocupada ya por sus partidarios, y allí convenció al nuevo pontífice para que condenara los actos de Formoso y acabara con el aura de santidad que había forjado entre los suyos. La condena debía ser pública, con toda la solemnidad del derecho eclesiástico, delante de la curia papal y de todo aquel que tuviera algo que decir en la política de la ciudad. Que Formoso estuviera muerto no debía ser un obstáculo: se le juzgaría de todos modos, aunque hubiera que sacar el cadáver de la sepultura. Y eso fue exactamente lo que se hizo. La pantomima fue preparada en todos sus detalles. A principios de 897, Esteban VI y Lamberto de Spoleto ordenaron desenterrar el cadáver de Formoso y conducirlo al lugar del juicio, un sínodo en el que estaban presentes los cardenales, obispos y numerosos dignatarios eclesiásticos. Ataviado con todas las insignias papales y vestido tal cual en vida, el papa redivivo quedó sentado sobre su trono. A tal punto llegó el remedo de juicio que se designó a un abogado de oficio para que hablara en representación del acusado. Los cargos contra Formoso eran lo de menos. Se adujo que su nombramiento como papa fue ilegal, al haber accedido al trono de San Pedro siendo ya obispo de Porto, en contra de una norma del derecho canónico que prohibía pasar de un obispado a otro (a pesar de que había otras que parecían autorizarlo). El abogado del papa Esteban se dirigió al cadáver en estos términos: «¿Por qué, en tu ambición, has usurpado la sede Apostólica, tú que previamente eras tan sólo obispo de Porto?». No sabemos si el abogado defensor se atrevió a replicar, pero la sentencia condenatoria fue inapelable. El sínodo firmó el acta de deposición de Formoso, lo condenó y revocó todos sus nombramientos y disposiciones, hasta el punto de que los clérigos que fueron ordenados por él tuvieron que repetir la ceremonia. Tras esto le despojaron de las vestiduras papales y le cortaron los tres dedos con los que los papas impartían sus bendiciones. Tras arrastrar el cadáver por las calles de Roma, fue quemado y arrojado al Tíber ante una multitud vociferante. Sin duda, aquello fue demasiado incluso para lo que estaban acostumbrados los habitantes de Roma en aquel entonces y enseguida se produjo una reacción. El propio Esteban VI fue encarcelado y estrangulado en la cárcel a los pocos meses. Pasados dos años, Juan IX rehabilitó al papa condenado y prohibió juzgar a las personas muertas. Desde entonces, los restos del papa Formoso pudieron descansar al fin en el Vaticano, mientras la siniestra historia de su proceso quedaba grabada como uno de los capítulos más oscuros de la historia de la Iglesia. Lástima que esta historia no puede volver a repetirse ahora con el cadáver del hereje Francisco I ¿No lo creen ustedes?
Son muchas las celebraciones que a lo largo de todo el planeta, desde tiempos inmemoriales, tienen lugar de noche, a la luz de una gran hoguera, dando rienda suelta a los instintos, normalmente reprimidos a lo largo del año; festividades por lo general de origen pagano, como la Navidad, la Pascua, Todos los Santos, etc… que antes de ser cristianizadas se celebraban en loor de divinidades ancestrales y más tarde "heréticas" para las autoridades eclesiásticas, siempre dispuestas a perseguir cualquier conato de disidencia. En el centro y el norte de Europa alcanzó gran celebridad una festividad que tenía lugar la noche del 30 de abril al 1 de mayo y que fue conocida como la Noche de Walpurgis – Walpurgisnatch en alemán –, llamada popularmente "la Noche de las Brujas". En sus orígenes era una festividad pagana, probablemente de origen vikingo, que sería más tarde difundida por los celtas, quienes la adaptaron en sintonía con sus propias divinidades. Los orígenes de la Noche de Walpurgis se remontan a las festividades paganas que celebraban la llegada de la primavera. Quizás hayas notado que la Noche de Walpurgis, que se celebra la víspera del 1 de mayo, tiene lugar exactamente seis meses antes de Halloween. No es casualidad. Tanto Halloween como la Noche de Walpurgis tienen su origen en celebraciones paganas (conocidas como Samhain y Beltane, respectivamente) que marcaban el cambio de estación. Estos días eran especialmente importantes porque se creía que eran cuando el velo entre el mundo espiritual y el nuestro era más tenue. Como la Iglesia Católica no tuvo un éxito total en su intento de erradicar las creencias paganas, muchas continuaron manifestándose. Estas costumbres eran especialmente frecuentes en las zonas más remotas de Alemania, como las montañas del Harz, donde continuaron desarrollándose de forma relativamente inocua hasta el siglo XVI, cuando varios factores se combinaron para desatar una histeria generalizada sobre la brujería. Prácticas paganas que hasta entonces habían sido más o menos aceptadas fueron repentinamente consideradas "malvadas" y "supersticiosas", y quienes las practicaban eran condenados a muerte. La Alemania medieval fue testigo de algunas de las cacerías de brujas más grandes y espantosas de la historia. La Noche de Walpurgis incluso se conoce a veces como la Hexenbrunnen (la quema de brujas) debido a su sangriento pasado. Esta histeria colectiva se consolidó en torno a la creencia de que el Monte Brocken, el pico más alto del Harz, era escenario de los aquelarres. Se decía que estos eran encuentros desenfrenados y orgiásticos en los que las brujas se reunían con Satanás para planear problemas, travesuras y maldades para el año venidero. Se creía comúnmente que esto ocurría el 30 de abril, la fecha en la que, según la leyenda pagana, el diablo Wotan se casó con su amada Freya en la cima del Brocken. Por lo tanto, los lugareños se reunían el 30 de abril para protegerse de las brujas. Para alejar a los malos espíritus, hacían ruidos fuertes, encendían enormes hogueras y quemaban muñecos de paja y objetos viejos para atraer la buena suerte. Lo que originalmente había sido una celebración de la primavera se transformó en un intento desesperado de protegerse del mal. Aunque la festividad pagana que daría origen en el Medievo a la tétrica Noche de Walpurgis parece haberse originado en el norte de Europa, su influencia puede rastrearse hasta el día de hoy prácticamente en todo el continente. En Irlanda, en tiempos remotos, se celebraba el 1 de mayo la festividad de Beltane –o Baltené– para honrar a Belenos y a su compañera, la diosa Sirona. Belenus o Belinus tiene el significado de brillante en la antigua lengua irlandesa, "fuego de Bel" o "Bello fuego", y era la forma en la que se designaba al dios de la luz o dios del fuego; nombre que pasaría a través de la cultura irlandesa a las novelas de caballería medievales. Su influencia llegaría hasta los galos y astures. Esta misma festividad estaba estrechamente ligada a un culto ancestral del pueblo celta que daría origen a numerosos relatos y películas de terror ya en nuestros días: el del hombre de mimbre, un enorme "muñeco" de este material en el que los celtas introducían a los prisioneros para posteriormente prenderles fuego. César lo citaba en sus escritos pero no existen muchas fuentes sobre esta forma de sacrificio. En Grecia la llegada del solsticio –aunque en la actualidad el de verano se celebra alrededor del 21 de junio– se celebraba encendiendo grandes hogueras a las que se atribuía un carácter purificador, mientras que los romanos encendían también grandes fuegos para rendir culto al dios Apolo y a la diosa guerrera Minerva. Éstos tenían la costumbre de saltar tres veces sobre las hogueras para purificarse. Era también común atribuir entonces propiedades mágicas y medicinales a las plantas recogidas esa noche de transición, algo que también hacían los druidas y que más tarde, en plena demonomanía, se relacionaría con las llamadas "plantas de las brujas", que acudían la Noche de Walpurgis a los bosques más espesos para recoger las hierbas que darían forma a sus desagradables ungüentos y pociones mágicas. Manipulación de una tradición vinculada con la diosa madre, la naturaleza, cuando no existía una ciencia médica y había que recurrir a la vegetación y a la experiencia de los antepasados para curar las dolencias. En el mes de mayo los antiguos romanos rendían culto a sus antepasados – maiores –, creyendo que en este periodo de transición equinoccial los difuntos se aparecían a los vivos, sembrando el desconcierto entre las gentes. Era el momento también de culto a la diosa de la primavera, Maia Maiestas – que daría origen al nombre actual del mes –, divinidad latina de la fertilidad y la salud. En los países nórdicos, según la mitología recogida en los Edda, la Noche de Walpurgis coincidía con la muerte de Odín (la principal deidad de la mitología nórdica, dios de la sabiduría, la guerra, la muerte y la magia), fecha en la que se desataba el caos en la Tierra y se diluían las barreras dimensionales entre el mundo de los vivos y el mundo de los muertos. También en el norte de Europa se vinculaba esta festividad con la naturaleza. Se adoraba a Waldborg o Waldburga, diosa de la fertilidad, a la que se pedía su intercesión para el buen desarrollo de las cosechas, la llegada de las lluvias en tiempos de sequía o la misma prosperidad de la comunidad en época de dificultades o guerras. Para ello se encendían grandes hogueras, como hacían también los celtas. Con la caída del Imperio romano y el ascenso imparable del cristianismo, la celebración pagana de Waldborg se confundió y fusionó con la festividad de la santa Walburga de Heidenheim. La vida de esta religiosa benedictina alemana que vivió en el siglo VIII está rodeada de aspectos legendarios: cuentan que era hija del rey Ricardo el Sajón y de Winna, hermana del apóstol de Germania, San Bonifacio. Walburga había nacido en el condado inglés de Essex. A los once años parece que ingresó en el convento inglés de Winborne, donde pasaría 26 años impregnándose del ambiente místico y religioso de la clausura. Más tarde se convirtió en monja, cometido para el que parecía haber nacido, llegando a asistir a San Bonifacio, cabeza de la Iglesia en Germania. En el año 748 fue enviada a Germania para ayudar en la predicación a Bonifacio, junto a santa Lioba y otras religiosas. Mientras viajaban desde Inglaterra hacia el Viejo Continente, se levantó una gran tempestad que puso en peligro la embarcación en la que viajaban. Cuenta la leyenda que Walburga se arrodilló en la proa y comenzó a rezar. Al poco tiempo el temporal amainó y los marineros, que creyeron hallarse ante un milagro, comenzaron a venerar a Walburga como a una santa. Su fama comenzó a acrecentarse y vivió en el convento de Heidenheim, fundado por su hermano San Wilibaldo, cerca de Baviera. A la muerte de su hermano se convirtió en abadesa, siendo ya considerada una mujer santa por su comunidad. El 25 de febrero del 779 fallecía en Heidenheim, pero sus aparentes milagros no terminaron con su muerte. En el 893 el obispo Erchambold abrió la tumba de Walburga y descubrió que su cuerpo estaba inmerso en un aceite de embriagadora fragancia que emanaba de su cuerpo y principalmente, según las crónicas, de su pecho. A partir de entonces comenzó a formar parte del selecto grupo de santos que producen aceite. Existen crónicas que señalan que luego de la muerte de la santa, más de un siglo antes de que Erchambold abriese su féretro, de su tumba ya brotaba el citado óleo. Durante siglos circularon por toda Europa frascos que contenían el llamado "aceite de Walpurgis", al que se atribuían propiedades curativas y milagrosas. Además, algunas partes de su cuerpo fueron distribuidas, cual reliquias, por lugares como Colonia y Amberes, siendo codiciadas por las gentes más poderosas y veneradas por el pueblo. Algunos vendedores de la milagrosa unción afirmaban por los polvorientos caminos que la pócima tenía un gran poder para doblegar a las brujas. La fecha de la canonización de Walburga se trasladó del 25 de febrero – cuando había nacido – al 1 de mayo, debido a que este día del año 870 en el calendario sueco se trasladaron sus reliquias hasta Eichstadt, depositándolas en la iglesia de la Santa Cruz, hoy conocida como Iglesia de Santa Walburga, y comenzando así su veneración pública; por lo que se hizo coincidir la Noche de Walpurgis con el día de la santa alemana, método de las autoridades eclesiásticas para hacer olvidar el paganismo de antiguas celebraciones. De esta forma, Santa Walburga parece ser una “cristianización” de la deidad celta Beltane, de la diosa teutona Walpurgis y de la Flora romana, la diosa abuela Maia, divinidad de la muerte y la fertilidad. Actualmente, las celebraciones modernas de la Noche de Walpurgis se dan especialmente en Alemania. Esto incluye disfrazarse, colgar ramas de follaje benditas en las casas y dejar ofrendas de Ankenschnitt (pan con mantequilla y miel) para los sabuesos fantasmas. Irónicamente, las ramas de follaje fueron colgadas originalmente por los paganos como ofrendas a las diosas. Hoy en día, los alemanes celebran esta festividad como un segundo Halloween disfrazándose, haciendo ruido y haciéndose bromas. Algunas tradiciones de la época medieval aún se conservan, como colgar ramitas de plantas y dejar el Ankenschnitt para los perros. También hay nuevas tradiciones, como encender fuegos artificiales y cantar canciones populares. La antigua costumbre de encender fuegos para ahuyentar a los malos espíritus ha dado paso a nuevas costumbres, como el famoso Tanz in den Mai (baile de mayo), una enorme hoguera que, en ocasiones, contiene una "bruja" de madera y que se enciende el 30 de abril. Cuando las llamas se apagan, se celebra el salto del maíz, en el que los enamorados saltan juntos sobre el fuego. Las festividades se acompañan de abundante cerveza y comida tradicional alemana.
Ubicada en la Ciudad del Vaticano, en Roma, su origen se remonta a su construcción en el siglo IV por el emperador Constantino, en el lugar en el que se encontraba el sepulcro del apóstol Pedro. Esta primera iglesia obedecía a un planteamiento revolucionario, ya que supuso la adopción para los templos cristianos de un tipo de edificio, la basílica, que en el mundo romano se usaba para la actividad política y se localizaba en el foro. San Pedro surgió así como un espacio de grandes dimensiones, dividido en tres naves porticadas, en cuyo extremo se colocó un altar. Frente a los espacios bajos y recogidos de la arquitectura abovedada del Imperio romano, la basílica constantiniana destacaba por su elevación. El techo era de madera y sus grandes columnas, reutilizadas de otros edificios romanos y por ello de formas muy variadas, alcanzaban los nueve metros de altura. Dos de ellas, de mármol negro africano, se conservan todavía hoy, situadas a ambos lados de la puerta central de la basílica renacentista. Su suntuosa decoración interior presentaba policromías y mosaicos habituales en la arquitectura paleocristiana. Con el paso de los siglos, la basílica romana sufrió un inevitable deterioro que se agravó durante el siglo XIV cuando los papas trasladaron su sede a la ciudad francesa de Aviñón. Fazio Degli Uberti, poeta florentino de la época, escribió sobre Roma que “parecía una anciana, y tristes eran sus ropas […] su vestido viejo y ajado”. San Pedro simbolizaba como ningún otro edificio la decadencia de la capital de la Cristiandad. Sus frescos estaban cubiertos de polvo y algunos muros amenazaban con derrumbarse. Por otra parte, a lo largo de los siglos se habían llevado a cabo numerosas modificaciones y añadidos en la basílica, que alteraron su concepción original. Según el testimonio de un peregrino inglés que estuvo allí hacia el año 1344, “si uno pierde a su acompañante en esta iglesia, es posible que tenga que buscarlo durante todo el día, tal es su tamaño y tan numerosa la muchedumbre que corre de un lugar a otro, prodigando en las capillas besos y plegarias”. Un siglo más tarde, San Pedro era todavía una enorme basílica medieval, cargada de simbolismo, pero en estado de ruina. Se encontraba rodeada por una amalgama de edificios con diferentes fachadas y estructuras. Y el espacio que precedía al conjunto era, literalmente, un descampado. En el siglo XV, con la llegada del Renacimiento, se realizaron diversos estudios sobre el estado en que se encontraba el principal templo de la Cristiandad. Así lo hizo el arquitecto florentino y funcionario papal León Battista Alberti, en diversos análisis recogidos en su tratado De re Aedificatoria (1450). En este documento, Alberti informaba sobre la proliferación de capillas, las modificaciones realizadas en las decoraciones de las puertas, las reparaciones de los tejados y los defectos de la estructura: “En la basílica de San Pedro he podido observar un elemento resuelto de forma burda; un muro extremadamente alto y largo que ha sido construido sobre una serie continua de aperturas, sin ningún arco para darle fuerza ni ningún contrafuerte que lo soporte. El muro ha sido perforado por demasiados huecos a lo largo de toda su extensión, y se ha construido en un lugar donde enfrentará toda la violencia del Aquilón [el viento del norte]. Como resultado, la continua fuerza del viento ya ha desplazado el muro en su vertical más de seis pies.No tengo ninguna duda de que, finalmente,alguna
pequeña presión o el más ligero movimiento hará que el muro se derrumbe”. Todo ello hacía urgente emprender una restauración a fondo de la basílica. El papado, que en 1420 había retornado a Roma de la mano de Martín V, propugnaba un renacimiento de la Iglesia Católica que pasaba por recuperar la gloria pasada de las iglesias y monumentos de Roma, entre ellos la basílica de San Pedro. En lugar de una restauración, se optó por construir una nueva basílica según las líneas del arte renacentista. Fue el papa Nicolás V quien en 1447 decidió que para simbolizar el regreso de la Iglesia al Vaticano se precisaba una construcción en la cual se reconociera una nueva etapa para la Iglesia Católica. Era necesario anunciar que la Iglesia volvía a la ciudad con su poder terrenal y espiritual. Era necesario refundar Roma. El proyecto de Donato Bramante para la basílica de San Pedro, aprobado por el papa Julio II en 1506, planteaba un diseño en forma de cruz griega, con todos los brazos de la misma longitud, en contraste con la cruz latina de la basílica constantiniana. El modelo de cruz griega nació en las iglesias ortodoxas del Imperio romano de Oriente, herederas a su vez de santuarios de origen persa. Adoptar esta tipología suponía romper con la tradición latina y el modelo de basílica romana. Bramante pretendía que San Pedro de Roma simbolizase la renovación de la Cristiandad, por lo que debía diferenciarse de cualquier otra iglesia católica, pero otros lo vieron como una traición a los antepasados. En las décadas siguientes se mantendría la vacilación entre ambos modelos. Rafael Sanzio abogó por la planta de cruz latina, mientras que Antonio da Sangallo, Baldassare Peruzzi y Miguel Ángel retornaron a la forma de cruz griega de Bramante. Finalmente, Carlo Maderno instauró el modelo latino definitivo, aunque conservando el diseño del crucero propuesto por Bramante como espacio central. Finalmente Miguel Ángel fue nombrado arquitecto pontificio en 1546, cuando tenía 72 años. En la correspondencia con Vasari, su primer biógrafo, Miguel Ángel escribió: “Creo que Dios me ha confiado esta obra”. Enseguida elaboró un nuevo proyecto para San Pedro que, en respuesta a los defectos del de Sangallo, proponía eliminar los campanarios y todo exceso ornamental para engrandecer la cúpula central y conseguir así una mejor iluminación en el interior. Además, sus naves eran más pequeñas, lo que debía abaratar la construcción. Miguel Ángel siguió muy de cerca el avance de las obras. “Si se pudiera morir de vergüenza y sufrimiento, yo ya no estaría vivo”, dijo tras la demolición del techo de una capilla mal diseñada. Al ser nombrado arquitecto pontificio en 1546, Miguel Ángel recuperó el modelo de planta central propuesto por Bramante, pero aumentando la luminosidad mediante una cúpula mayor que debía reposar sobre un tambor aún más elevado. La influencia de Brunelleschi es patente en el diseño de esta nueva cúpula. El arquitecto escribió a Florencia en 1547 solicitando detalles técnicos de la cúpula de Santa Maria dei Fiori, cuyo diseño de doble cascarón estaba a su vez inspirado en el Panteón de Roma. Se buscaba crear así un efecto que engrandeciera la luz natural, mostrando al visitante una piel interior de gran ligereza sostenida gracias a la estructura exterior más pesada. La piel interior, construida desde dentro, es totalmente hemisférica, mientras que la exterior tiene una forma ovoide más resistente. Miguel Ángel no llegó a ver terminada la cúpula, y ni siquiera comenzó su construcción. Su diseño fue heredado por Giacomo della Porta, quien se encargó de adaptar el proyecto y de dirigir las obras, que finalizaron en 1590. La forma definitiva de la basílica de San Pedro quedó fijada por el arquitecto Carlo Maderno en 1607.Su objetivo era dar
coherencia a una iglesia que, tras más de un siglo de obras, aún no se había terminado y en la que se combinaban secciones nuevas con otras de más de un milenio de antigüedad. Maderno, sobrino de Domenico da Fontana, extendió las tres naves de acceso a la basílica para otorgarle una estructura definitiva de cruz latina. Esta prolongación provoca un interesante efecto espacial, pues al entrar en el templo el visitante no puede evitar dirigir la vista hacia la cúpula mientras avanza en línea recta. Heinrich Wölfflin, historiador del siglo XIX, llamaba a este efecto “espacio dirigido hacia el infinito”. Hay que tener en cuenta, por otra parte, que San Pedro es una iglesia monumental única en su concepción, pensada para el peregrinaje y los actos multitudinarios y no para las ceremonias de culto convencionales. El proyecto de Maderno incluía la actual fachada de la basílica, que fue terminada en 1615. Su diseño difería notablemente de las propuestas anteriores y desde el primer momento fue objeto de críticas por su estilo demasiado recargado y por el hecho de que el ático ocultaba a la vista parte de la cúpula mayor. Según el especialista James Lees-Milne, “hasta el más imparcial de los críticos admite que [la fachada] fue un error y algunos son de la opinión de que es ni más ni menos un desastre”. Maderno también proyectó dos brazos laterales terminados en campanarios, que nunca se construyeron. La decoración interior de San Pedro se emprendió bien entrado el siglo XVII y refleja el estilo barroco del momento. Su principal artífice fue el genial escultor Gian Lorenzo Bernini, que gozó del patrocinio del papa Urbano VIII. La primera gran aportación de Bernini fue el baldaquino que se levanta sobre el altar mayor, erigido entre 1626 y 1633. Su altura de 28,5 metros, sus cuatro columnas salomónicas y sus decoraciones generan un efecto tensionante que llena de fuerza el espacio central de la basílica. La propuesta del baldaquino inspiró la remodelación y decoración tanto de los pilares centrales como de las columnas de la nave principal, marcando el estilo que se terminaría extendiendo por todo el edificio. Cada rincón del espacio interior contiene decoraciones referidas a santos y pontífices, a menudo enmarcados por motivos vegetales. En las pilastras de la nave central hay medallones con retratos de los primeros papas, sostenidos por ángeles. Bernini también se encargó en persona de esculpir la estatua de san Longinos como parte del crucero central, dedicada al centurión romano que atravesó el costado de Cristo con su lanza. En 1655, el papa Alejandro VII encargó a Bernini el proyecto de dos columnatas que encerraran la plaza de San Pedro, delimitando el espacio que precedía a la basílica. Bernini diseñó dos grandes brazos de sobrias columnas dóricas, los cuales forman una elipse con el obelisco en su centro. Del final de estas columnatas nacen dos brazos rectos que componen un trapecio con la fachada de la basílica, creando un segundo espacio de recepción. Este diseño provoca un efecto óptico que parece acercar la fachada de San Pedro a la plaza elíptica, corrigiendo en parte la horizontalidad del diseño de Maderno. Bernini planteó una tercera columnata que enmarcaba el acceso a la basílica desde el puente de Sant’Angelo, lo que suponía derribar parte de las viviendas del barrio frente al Vaticano, el Borgo. Pero ni su proyecto ni otros parecidos planteados posteriormente llegaron a realizarse. Al final fue el Duce Benito Mussolini quien, en 1937, abrió una calle monumental conocida como Via della Conciliazione, terminada en 1950. La imponente basílica ha seguido transformándose desde entonces, a través de sus representaciones en los grandes medios, el cine y la televisión. Sigue siendo un símbolo vivo, siempre adaptado al signo de los nuevos tiempos.
Conocer a fondo y toda la verdad, sobre la vida de Nuestro Señor Jesucristo es muy difícil, debido a que su historia se comenzó a escribir hasta 70 años posteriores a su crucifixión, lo cual ha provocado incertidumbres y dudas de parte de algunos estudiosos acerca de su existencia y de su martirio en la cruz. Pero en este caso, el historiador judío Flavio Josefo, quien vivió en esa misma época, comprueba en sus escritos la existencia de Jesús, de quien dice muy brevemente: “Fue un hombre de bien. Admirado por muchos y que sanaba”. Durante ese largo período de tiempo se pudo haber perdido bastantes elementos históricos valiosos que comprueben muchas verdades acerca del Mesías. Además de la acción (censura) de la Iglesia Católica de aquellos tiempos de hacer desaparecer grandes cantidades de textos sobre la historia del cristianismo primitivo y el acaparamiento de libros en la Biblioteca del Vaticano que versan sobre la verdadera historia del cristianismo, se nos hace muy difícil conocer en su totalidad sobre la vida de Jesucristo, su familia y amigos, su relación con sus apóstoles, sus enseñanzas y obras, costumbres y estilo de vida. Y otras cosas más. Pero gracias a muchos estudiosos, teólogos, historiadores e investigadores, podemos conocer algunos rasgos históricos de quién era y qué hizo en vida. Pero, ¿Jesús de Nazaret fue un revolucionario? Desde el primer momento en que su primo, Juan el Bautista, lo anuncia como El Mesías, se creó un gran revuelo en los diferentes estratos del pueblo judío, sobre todo entre los grandes jerarcas del poder religioso-político-económico, representado en El Sanedrín. Si, el revolucionario es el que lucha o se esfuerza por cambiar esquemas y estructuras que no satisfacen o no cumplen con sus funciones correctas, entonces Jesucristo fue un revolucionario. El Ungido se presentó como el Hijo de Dios, ofreciendo un mundo mejor y una nueva forma de práctica de vida moral-religiosa y a amar al prójimo. Criticaba a los jerarcas religiosos, se enfrentó a ellos y los llamaba hipócritas por el comportamiento indigno de estos, ya que se contradecían con las Sagradas Escrituras, las cuales el Maestro conocía muy bien. No cabe la menor duda de que el contenido de sus prédicas y enseñanzas enojaban y preocupaban muy seriamente a las máximas autoridades judías, porque sus mensajes y sermones eran totalmente diferentes a los tradicionales del judaísmo. Sus formas y estilos de predicar, y de hacer proselitismo religioso fueron novedosos en su época, como el andar en grupos predicando en diferentes lugares, así como también las prácticas de sanación a los enfermos y resucitación de algunos muertos. Sin lugar a dudas fue, más que todo un revolucionario místico-espiritual-pacifista. Su doctrina religiosa se ha perpetuado a través de los tiempos. Es importante hacer ver que en el contexto histórico-político en que vivió el Hijo de Dios, fue muy difícil, debido a que el Imperio Romano tenía dominada Palestina, la cual pertenecía a la provincia de Siria. Es por eso que el pueblo judío esperaba a un Mesías Libertador, para que los liberara de los invasores. Para los hebreos fue un hecho vergonzoso y humillante el haber estado bajo la ocupación de los romanos, quienes los humillaban y los trataban con mucho desprecio en su propia tierra, hasta llegar a ofender sus creencias religiosas y profanar sus sinagogas, las cuales eran muy sagradas para ellos. Había mucho descontento entre la población por tal situación. El país estaba convulsionado y hubo resistencia militar a través de la táctica militar, que hoy conocemos como guerra de guerrilla, pequeños grupos que atacaban a la guarnición romana y luego huían, para refugiarse en el desierto. Barrabás, sí, ese mismo, el que fue presentado ante la multitud por el gobernador romano, Poncio Pilatos, para que escogieran entre Jesús y Barrabás, para ser liberado y que a grandes gritos influenciados por el demonio dijeron: ¡A Barraaabás…A Barraaabás! Este vil sujeto fue un sedicioso y conspirador contra los romanos, que fue capturado por sus acciones durante la celebración de la fiesta judía de la Pascua. Se le acusaba de ladrón y homicida. Para muchos judíos, Barrabás era la opción militar para combatir a los romanos. Por tal motivo la multitud lo prefirió a él. Cuando Pilatos dijo “Soy inocente de la sangre de este justo” los judíos gritaron “Que su sangre caiga sobre nosotros y nuestros hijos” convirtiéndose de esta forma en un pueblo maldito y despreciado por el mundo. A diferencia de Barrabas, todo lo contrario fue Nuestro Señor Jesucristo, que cuando le preguntaron si se debía pagar el diezmo (impuesto) a los romanos, él fue muy elocuente con su respuesta: “Dad al César lo que es del César y a Dios lo que es de Dios”. Siempre se ha considerado esta frase como un gesto de sumisión y de resignación, pero tal vez esto obedezca a que la vida del Maestro estaba más enfocada a la parte religiosa y espiritual que política. Es más, Jesús, al ser entregado, no pronunció palabra para defenderse en contra de aquellos que lo iban a crucificar, incluso, en la última cena le dio la oportunidad a Judas de arrepentirse. En Mateo 26:47-56 vemos la postura clara de Jesús ante la violencia, llamándole amigo a aquel que lo estaba entregando (Judas). Incluso exhortó a su discípulo Pedro cuando trató de defenderlo, rebanando la oreja a uno de lo que venía a llevarse a su maestro, Jesús inmediatamente sanó su herida y se entregó. Fue más que todo un predicador de paz, amor, perdón y solidaridad humana. Jesús no arrebató la vida de su prójimo para cumplir su misión, él entregó la suya. No fue por ello un revolucionario en el contexto que nosotros conocemos. Pero sus prédicas y enseñanzas sí revolucionaron o cambiaron una gran parte del mundo, tanto moral como espiritual.
Desde el 22 de mayo, el Museo Británico presentará una exposición titulada, Ancient India: Living Traditions’ (India antigua: Tradiciones vivas), que explora el arte sagrado del hinduismo, el budismo y el jainismo, la cual será inaugurada en la Galería de Exposiciones Sainsbury. Se trata de una de las primeras exposiciones importantes del mundo que analiza el arte devocional temprano de la India desde una perspectiva multirreligiosa, contemporánea y global, resaltando la inspiración detrás de las representaciones ahora familiares de las deidades y los maestros iluminados de estas religiones del mundo, y cómo se compartieron a través del Océano Índico hasta el Sudeste Asiático y a lo largo de las Rutas de la Seda hasta el Este de Asia. Colorida, multisensorial y evocadora, esta exposición promete un viaje multisensorial a través de más de 180 artefactos, entre esculturas, pinturas, dibujos y manuscritos que datan de hace más de 2000 años. Asimismo, examina cómo el arte sacro moldeó las tradiciones religiosas y continúa influyendo en la vida de casi dos mil millones de personas en todo el mundo, incluido el Reino Unido. Al rastrear la evolución de representaciones icónicas como Ganesha, el dios hindú con cabeza de elefante y vientre redondeado, o el Buda sereno, los visitantes se adentran en el legado espiritual y artístico de estas religiones. La exposición también destaca cómo estas tradiciones se expandieron a través del Océano Índico hasta el Sudeste Asiático y a lo largo de las Rutas de la Seda hasta el Este de Asia. Desarrollada en colaboración con un comité asesor de hindúes, budistas y jainistas practicantes, Ancient India: Living Traditions’ ofrece una perspectiva pluralista sobre el arte sacro. La exposición integra la relevancia contemporánea al mostrar cómo las comunidades de la diáspora del sur de Asia han incorporado estas tradiciones a la cultura británica. Asimismo, préstamos de coleccionistas de todo el mundo enriquecerán la narrativa al explorar la procedencia: así podremos ver el recorrido de los objetos desde su creación hasta su adquisición por los museos. Los visitantes encontrarán huellas simbólicas que precedieron a las representaciones humanas de Buda, serpientes cósmicas en el arte hindú y espíritus de la naturaleza que acompañaban a los maestros iluminados jainistas. Estos artefactos ilustran cómo las antiguas prácticas religiosas transformaron el paisaje sagrado de la India en formas de devoción perdurables.Así por ejenplo, el arte religioso jainista se centra en las representaciones de los 24 maestros iluminados llamados tirthankaras. Las primeras representaciones seguras de los tirthankaras en forma humana fueron talladas en hermosa arenisca rosa moteada hace unos 2000 años en los talleres de la antigua ciudad de Mathura, en el norte de la India. Esto marcó una importante innovación en el arte religioso indio. En tanto, el arte religioso budista se centra en representaciones de Buda y escenas de su vida. Inicialmente, se le representaba con símbolos como huellas de pies, un trono vacío o un árbol. Por su parte, el arte hindú se centra en representaciones de dioses, algunos de los cuales han sido (y siguen siendo) representados simbólicamente y venerados a través de elementos de la naturaleza que se encuentran en el paisaje. Al igual que con los maestros iluminados jainistas y budistas, hace unos 2000 años las deidades hindúes también comenzaron a representarse con forma humana, incorporando imágenes de espíritus de la naturaleza. Cabe precisar que desde el siglo I d. C., el arte devocional budista e hindú se extendió gradualmente a través de redes comerciales terrestres y marítimas hacia Asia Central, Asia Oriental y el Sudeste Asiático. La imaginería sagrada y las ideas religiosas de la India se adoptaron y adaptaron, fusionándose con las creencias y estilos locales para producir representaciones únicas de deidades budistas e hindúes y maestros iluminados. Así, la conservación de rasgos esenciales como la ushnisha (forma ovalada) en la cabeza de Buda, que simboliza su iluminación, permitió a los devotos de diferentes regiones y culturas seguir reconociendo a los dioses y maestros representados. Esta exposición, que estará abierta hasta el 19 de octubre del 2025, se perfila como un evento emblemático tanto para los amantes del arte como para los historiadores. De esta manera, al conectar las tradiciones antiguas con los contextos modernos, Ancient India: Living Traditions’ redefine la comprensión del arte sacro en un mundo globalizado.
Como sabéis, el presidente estadounidense Donald Trump ha firmado una orden ejecutiva titulada "Restoring Truth and Sanity to American History" (Restaurando la verdad y la cordura en la historia de Estados Unidos) revelando su intención de hacer grandes cambios en el mayor complejo museístico, educativo y de investigación del mundo - el Smithsonian Institution - ordenando a JD Vance eliminar la ideología impropia, divisiva o antiamericana que la ha estado contaminando. En efecto, la orden apunta a eliminar cualquier ideología antiamericana, a la que con toda razón considera demasiado liberal, 'woke' y fuera de tono con los valores conservadores. Trump afirmó que ha habido “un esfuerzo concertado y generalizado en la última década para reescribir la historia estadounidense mediante la sustitución de hechos objetivos con una narrativa distorsionada impulsada por la ideología en lugar de la verdad que arroja los principios fundadores de los Estados Unidos en una luz negativa". Su ambición es convertirlo en un símbolo de la grandeza de Estados Unidos. La orden, que firmó a puerta cerrada, pone al vicepresidente J.D. Vance, que forma parte de la Junta de Regentes de la Institución Smithsonian, a cargo de supervisar los esfuerzos para "eliminar la ideología impropia" de todas las áreas de la institución, incluidos sus museos, centros de educación e investigación y el Zoológico Nacional. Los museos Smithsonian ofrecen entrada gratuita a hasta 30 millones de visitantes cada año. Bajo la orden de Trump, Vance también trabajará con la oficina presupuestaria de la Casa Blanca para asegurarse de que la financiación futura de la Institución Smithsonian no se gaste en programas que "degraden los valores estadounidenses compartidos, dividan a los estadounidenses en función de la raza o promuevan programas o ideologías inconsistentes con la ley y la política federal". Trump también criticó el Museo Nacional de Historia y Cultura Afroamericana, el Museo de Arte Americano y el Museo de Historia de la Mujer por la forma sesgada en la que se presentan sus exposiciones. Precisamente en cuanto a este último, Trump dijo que quiere asegurarse de que celebre a las mujeres y no "reconozca a los hombres como mujeres en ningún aspecto". "Los museos en la capital de nuestra nación deben ser lugares donde los individuos van a aprender, no para ser sometidos a un aberrante adoctrinamiento ideológico o narrativas divisivas que distorsionan nuestra historia compartida", asevero. La orden ejecutiva también insinúa el regreso de estatuas y monumentos de figuras confederadas, muchos de los cuales fueron retirados o reemplazados en todo el país durante las violentas protestas en el 2020 por parte del grupo terrorista negro Black Lives Matter. Además obliga a las autoridades a cuidar de que los monumentos públicos dependientes del Departamento del Interior “no contengan descripciones, representaciones u otro contenido que menosprecien de manera inapropiada a los estadounidenses vivos o muertos”. Asimismo, solicita que esos artefactos conmemorativos “se centren en la grandeza de los logros y el progreso del pueblo estadounidense o en la belleza, abundancia y grandeza” de su paisaje. En su exposición de motivos, el texto asegura que sus compatriotas “han sido testigos de un esfuerzo concertado y generalizado para reescribir la historia, reemplazando los hechos objetivos con una narrativa distorsionada impulsada por la ideología más que por la verdad. Este movimiento revisionista busca socavar los notables logros de Estados Unidos al proyectar sus principios fundacionales y sus hitos históricos bajo una luz negativa y en lugar de fomentar la unidad y una comprensión más profunda de nuestro pasado compartido, el esfuerzo generalizado por reescribir la historia profundiza las divisiones sociales y fomenta un sentimiento de vergüenza nacional” argumenta el decreto. Esta nueva orden ejecutiva llega luego de que Trump se hiciera instalar recientemente como presidente del Centro John F. Kennedy para las Artes Escénicas con el objetivo de revisar la programación y limpiarla del virus woke que ha infectado a la sociedad estadounidense y a la cual hay que erradicar por completo. Por cierto, esta fijación de Trump no es gratuita: Estados Unidos se prepara para celebrar a lo grande en el 2026 el 250º aniversario de la independencia de Estados Unidos, un acontecimiento que se ve como una oportunidad única para difundir los valores del movimiento MAGA (Make America Great Again).
