Megalómano como era de esperar, y no contento con aparecer en billetes y monedas conmemorativas por el 250 aniversario de la Independencia de los EE.UU., aparte claro esta de seguir adelante con su demolición del Ala Este de la Casa Blanca para construir un controvertido salón de baile, así como continuar con sus planes de levantar un gigantesco Arco de Triunfo en Washington (en su honor, obviamente) y no ocultar su deseo de ver su rostro esculpido en el Monte Rushmore, Donald Trump ha decidido adornar la Casa Blanca con un águila dorada - cuyo gran parecido al águila Nazi es incuestionable - y que no sea de extrañar, se convierta en el nuevo escudo del país, sin olvidarnos obviamente, de su grotesca estatua de oro que sueña con colocar sobre los cadáveres de cientos de miles de palestinos en Gaza, convertida en “La Riviera” del Medio Oriente. En efecto, Trump ha publicado en redes sociales lo que parece ser una imagen hecha con IA de una gran águila dorada adherida al balcón Truman de la Casa Blanca: "¡Es un regalo de oro para la Casa Blanca en su 250 aniversario!", escribió Trump junto a la citada imagen en Truth Social el pasado lunes. Cuando los periodistas se acercaron al balcón para constatarlo, no lo encontraron, por lo que se supone que fue hecha con IA o retirada luego de fotografiarla. En todo caso, no oculta las intenciones y sus simpatías por la iconografía fascista del actual inquilino de la Casa Blanca, comparado a menudo con el Fuhrer alemán Adolph Hitler por sus adversarios políticos. En cuanto a su declaración, es posible que se refiriera al 250 aniversario de la nación, que se celebra el 4 de julio, ya que la construcción inicial de la Casa Blanca comenzó hace tan solo 233 años, en 1792. La residencia abrió sus puertas por primera vez en 1800, hace 226 años, cuando el presidente John Adams y la primera dama Abigail Adams se convirtieron en sus primeros residentes. La imagen muestra un águila calva con sus alas extendiéndose sobre las columnas del balcón, junto con un escudo de barras y estrellas. Según CNN, la imagen contiene detalles en sus metadatos que indican que fue creada con inteligencia artificial de Google. El medio también señaló que la imagen no parecía ser real debido a las diferencias entre las barandillas de la fotografía y el balcón Truman real. El escudo de la imagen posee solo 11 estrellas, mientras que la versión tradicional tiene 13 para reflejar los 13 estados que existían en el momento de la fundación de los Estados Unidos, por lo que el escudo de las 11 estrellas corresponde en realidad a los Estados Confederados de la época de la Guerra Civil, por los cuales Trump nunca ha ocultado su afinidad. Cabe precisar que este tiene un historial de compartir imágenes generadas por inteligencia artificial en las redes sociales, incluida una que lo representa como una figura similar a Jesús curando a los enfermos - lo que generó críticas generalizadas a principios de este año - y últimamente, otra que lo representa como Atlas cargando la Tierra, que se convirtió rápidamente en motivo de burla, ya que también mediante la misma IA, reemplazaron el planeta que llevaba sobre sus espaldas por los Archivos Epstein, que lo describen como un monstruo pederasta y violador de niños. Por cierto, la imagen del águila dorada en el balcón Truman, está en consonancia con las numerosas ‘renovaciones’ que ha iniciado o propuesto en la Casa Blanca y en otros lugares de la capital del país. Trump ha advertido de importantes sanciones para cualquiera que cause daños a los monumentos en Washington, D.C., antes de las próximas celebraciones del 250 aniversario de la nación. A inicios de semana, reiteró sus afirmaciones de que sus esfuerzos de renovación en el estanque reflectante del Monumento a Lincoln - convertido en un pantano de aguas fétidas de color verde - se han visto frustrados, según el, por vándalos quienes, asegura, fueron los responsables de los daños al revestimiento del estanque. Sin embargo, persisten las dudas sobre si los daños a este monumento recientemente renovado fueron causados por actos delictivos o por fallas en la construcción, lo que es mas probable, ya que el lugar es fuertemente custodiado, por lo que sería imposible que sea atacada, tan como busca presentarlo. La administración Trump gastó 16 millones de dólares en la remodelación de la piscina, incluyendo el recubrimiento del fondo con un color azul similar al de la bandera estadounidense. Sin embargo, la renovación pronto generó controversia cuando la proliferación de algas tiñó el agua de verde y algunas secciones del revestimiento comenzaron a desprenderse. Funcionarios de la administración Trump han culpado repetidamente a vándalos, aunque análisis independientes y expertos en ingeniería sugieren que factores ambientales o defectos en la aplicación podrían ser los responsables. «El estanque reflectante, que sufrió grandes daños a causa de los vándalos y la escoria de la izquierda radical que odia a nuestro país, ha estado funcionando a pleno rendimiento durante los últimos dos días. ¡Está precioso!», escribió Trump en Truth Social el lunes. Dijo que la piscina se vaciaría luego del 4 de julio para "reparar los daños causados" y "dejarla tan bien como hace dos semanas, ¡cuando estaba absolutamente PERFECTA!". Trump también advirtió que los funcionarios de seguridad estarían "vigilando muy de cerca" los monumentos, estatuas y fuentes que fueron renovados en toda la capital. "Si alguien ataca alguno de ellos", escribió, "podría enfrentar hasta 10 años de cárcel". Como sabéis, desde que regresó al cargo en el 2025, Trump ha añadido una serie de toques personales a la Casa Blanca, colocando diversos detalles dorados por todo el Despacho Oval y fijando grandes medallones al estilo de las monedas conmemorativas en el Ala Oeste y la residencia de la Casa Blanca. También ha supervisado proyectos de construcción de gran envergadura, incluyendo la remodelación completa del Jardín de las Rosas de la Casa Blanca, dos grandes mástiles en los jardines norte y sur de la Casa Blanca, y la demolición del Ala Este, que el presidente ha arrasado con excavadoras para dar paso a su controvertido proyecto del salón de baile.
En 1778, una joven música llamada Marie-Louise-Philippine de Bonnières de Guînes estaba en una clase de composición en París, intentando crear una melodía. Se devanó los sesos durante 15 minutos. Al final, su profesor – Mozart - escribió el comienzo de una melodía y le pidió que la continuara. “Mira qué tonto soy”, le dijo él, tal y como contó en una carta a su padre. “Empecé un minueto y ni siquiera puedo terminar la primera parte; ¿serías tan amable de terminarlo?”. En la carta, Mozart se quejaba de que su alumna, la hija de un duque con mucho talento como arpista, hacía bastante bien los ejercicios de teoría musical, pero “no tenía ni una sola idea”. Puede que eso resultara exasperante para Mozart, pero le ha dejado a la posteridad un regalo espectacular. En efecto, el pasado viernes, la Biblioteca Nacional de Francia anunció el descubrimiento de un cuaderno de 44 páginas con las clases de De Guînes. El cuaderno ofrece una visión extraordinaria del método de enseñanza de Mozart, ya que muestra sus correcciones y mejoras en el trabajo de De Guînes. El hallazgo también revela piezas de repertorio marcadas por la imaginación de Mozart: siete obras hasta ahora desconocidas para flauta y arpa. Los expertos aseguran que, si bien De Guînes compuso estas obras bajo la guía de su profesor, Mozart escribió él mismo una parte sustancial de la música. “Este es el descubrimiento sobre Mozart más importante en décadas”, dijo Armin Brinzing, director de la Biblioteca Mozart de la Fundación Internacional Mozarteum de Salzburgo, Austria, en una entrevista telefónica. Las obras recién descubiertas se interpretaron en público por primera vez el último domingo en la Biblioteca Nacional de Francia, a cargo de la flautista Mathilde Caldérini y el arpista Nicolas Tulliez, ambos miembros de la Orquesta Filarmónica de Radio France. Sus grabaciones de las piezas se emitieron el lunes en la emisora France Musique. Cabe precisar que François-Pierre Goy, conservador de la Biblioteca Nacional, dijo que en febrero revisaba una pila de manuscritos anónimos, con la esperanza de completar algunos detalles sobre ellos antes de jubilarse, cuando un cuaderno le llamó la atención. En él aparecían el tipo de ejercicios de armonía que a él le habían hecho practicar cuando era estudiante. Había dos estilos distintos de letra - el de un alumno y el de un profesor - y el profesor tenía una forma peculiar de dibujar ciertos signos musicales. Goy se fijó más detenidamente en la letra del profesor. Examinó cuadernos de las clases que el compositor había impartido más tarde en Viena y una copia autógrafa de una partitura de Mozart que forma parte de la colección de la biblioteca. Las similitudes resultaron sorprendentes. “No podía creer lo que veía”, dijo Goy. Como no quería llevarse una decepción, consultó al musicólogo Laurence Decobert, quien también quedó convencido de que estaban ante la letra de Mozart. En abril, Brinzing viajó a París para autentificar el manuscrito. “Queda muy claro”, dijo Brinzing, “que es la letra de Mozart”. De esta manera, y gracias a las cartas de Mozart, los estudiosos supieron que él había dado clases a De Guînes de mayo a julio de 1778. El manuscrito les permite estudiar su método de enseñanza exacto. “Básicamente, puedes seguirlo compás a compás”, dijo Brinzing. “¿Qué escribió ella? ¿Qué corrigió Mozart?”. “Es fascinante”, añadió, “comparar eso”. El duque de Guînes esperaba que su hija se convirtiera en una compositora lo suficientemente competente como para escribir sonatas para flauta y arpa, los instrumentos que tocaban. La mayoría de las piezas redescubiertas son obras ligeras y breves, y una de ellas está incompleta. Pero Mozart corrigió otra de ellas, un movimiento rápido de unos cinco minutos de duración, hasta tal punto que “aproximadamente entre tres cuartas partes y el 80 por ciento debería ser de Mozart”, dijo Goy. Tulliez, el arpista, dijo que esa pieza era una importante incorporación al repertorio. Hasta el viernes, solo había una obra de Mozart para su instrumento: el Concierto para flauta, arpa y orquesta en Do mayor, K. 299, que Mozart compuso en la misma época para el duque de Guînes y su hija. El movimiento rápido redescubierto “se va a convertir sin duda en una de nuestras obras principales”, dijo Tulliez. Tanto el cómo Caldérini, la flautista, dijeron que era la obra más destacada del conjunto. Aun así, cuando empezaron a ensayar las piezas, las partituras que Goy había preparado a partir de los cuadernos no diferenciaban entre maestro y alumna. Sin ver la caligrafía, podía resultar difícil distinguir la voz musical de Mozart de la de De Guînes. “No fue nada fácil adivinar quién había escrito qué”, dijo Caldérini. También se preguntó si Mozart era demasiado duro con su alumna. “Exigía mucho, porque tenía mucho talento y era muy joven”, dijo. “Quizá no podía entender que para otra persona no fuera tan fácil componer”. Ahora bien, esa dinámica que frustraba a Mozart es precisamente lo que hace que el manuscrito sea tan valioso. Un alumno más inspirado le habría dado menos trabajo. A pesar de sus quejas, sus clases dieron lugar a una música de una gracia extraordinaria. La música, dijo Goy, es “digna de vivir”.
Casi cuatro siglos y más de 1.200 kilómetros los separan. Uno, italiano (toscano para más señas), genio del Renacimiento. Conocido como 'el divino', era arquitecto, escultor, pintor, poeta... Para muchos, un héroe, un dios. El otro, francés, padre de la escultura moderna. Cuenta con un museo propio en París, su ciudad natal. Nos referimos a Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564) y Auguste Rodin (1840-1917), quienes fueron dos maestros indiscutibles de la escultura occidental. Padre e hijo artísticos, hermanos espirituales, almas gemelas…, están unidos por un hilo invisible. Hay en ellos una ambición compartida: visibilizar la energía interior del cuerpo, concebido como envoltura y piel del alma. El Museo de Louvre Ha decidido confrontarlos, a través de dos centenares de piezas (mármoles, bronces, yesos, esculturas de terracota, moldes, dibujos y obra gráfica), en una espléndida exposición titulada Michel-Ange Rodin. Corps vivants (Miguel Ángel-Rodin. Cuerpos vivos), un 'tour de force' sobre el cuerpo humano, tema que ambos llegaron a dominar a la perfección, bien esbozado en dibujos o modelado en esculturas. La muestra, que podrá visitarse hasta el 20 de julio en el hall Napoleón del museo, desvela la profunda huella de Miguel Ángel en Rodin, su heredero natural. El arranque de la exposición es antológico: una rotonda de muchos quilates, en la que conviven cinco obras maestras, desnudos masculinos dotados de emoción, energía y vitalidad: dos de Miguel Ángel (el 'Esclavo moribundo' y el 'Esclavo rebelde', joyas de la colección del Louvre) y tres de Rodin, 'La Edad de Bronce', que tiene muchas reminiscencias de 'El esclavo moribundo'; 'Jean d'Aire' y 'Adán', del Museo Rodin de París. Se estructura la muestra en torno a cinco secciones que presentan a los dos maestros, sus fuentes de inspiración, su relación con los materiales de creación y sus temas predilectos. Los acompañan artistas coetáneos y seguidores de varias generaciones. Por cierto, las personalidades de estos gigantes del arte eran bien distintas. De Buonarroti, esbozan sus biógrafos el retrato de un genio no tan 'divino' como lo pintan: asocial, arisco, violento, sobrio (siempre vestía de negro), impetuoso, furioso, huraño, irascible, tosco, burdo, solitario, avaro, usurero, codicioso, con un gran ego, arrogante, capaz de enfadar a los siete Papas con los que trabajó. Tenía una nariz chata, deformada a causa del puñetazo que le propinó Pietro Torrigiano. Tuvo una vida de novela: peleas y pleitos familiares, intrigas papales y palaciegas, envidias entre colegas, que llegaban a espiarse para robar sus ideas; engaños a sus mecenas... El amor de su vida fue el aristócrata romano Tommaso de Cavalieri, cuarenta años más joven que él, a quien regalaba poemas y dibujos, y por el que sentía devoción. Fueron tantos sus enemigos como sus admiradores. Destacan también los historiadores del arte su frenesí creativo. Un artista entregado de lleno a su trabajo, abrumado por la fatiga y el sufrimiento, que apenas comía ni dormía... Murió a los 89 años en Roma, y está enterrado en la Santa Croce de Florencia; Rodin, por su parte, es retratado como un moderno Miguel Ángel. Dijeron de él: «Es Miguel Ángel con tres siglos más de miseria». Intentó sin éxito ingresar en la Escuela de Bellas Artes: suspendió tres veces el examen de admisión. Nadie es perfecto. «Al principio ansiaba fervientemente ser pintor, pero no tenía suficiente dinero para comprar lienzos y tubos de pintura. Para copiar las Antigüedades, en cambio, solo necesitaba papel y lápices. Pronto desarrollé tal pasión por la escultura que no pensé en otra cosa», explicaba Rodin. Visitante asiduo del Louvre, en sus salas admiraba, y copiaba, las estatuas antiguas y los 'Esclavos' de Miguel Ángel. Al igual que éste, era muy temperamental y tenía muy mal carácter. Mantuvo una relación apasionada con Camille Claudel, su discípula y amante. Pero fue Rose Beuret -modelo, amante y madre de sus hijos- la mujer de su vida. En el 2018, Rodin ya se midió con Fidias y los frisos del Partenón en una inolvidable exposición en el British Museum. Salió airoso. Y eso que los mármoles de Elgin son un Miura de armas tomar. Falleció en 1917, a los 77 años, en Meudon. Esta muestra es una colaboración entre el Louvre y el Museo Rodin. No es nueva la comparación entre ambos maestros. El primero en hacerla fue el crítico Octave Mirbeau. Stendhal deseaba que naciera un nuevo Miguel Ángel. Y Mirbeau creía haberlo encontrado en Rodin. Los comisarios de la exposición, Chloé Ariot y Marc Bormand, explican que los cuerpos creados por Miguel Ángel y Rodin «están vivos porque rebosan energía». El núcleo de la exposición se centra en lo que parece conectar más profundamente a ambos artistas: la práctica del 'non finito', de lo inacabado, metáfora del acto mismo de la creación. Estética emblemática de las obras de Miguel Ángel, fue reapropiada por Rodin. Buonarroti se negó a restaurar y completar el 'Torso Belvedere', reconociendo la plenitud estética del fragmento de una escultura. Rodin fue el primer artista en concebir los torsos como obras en sí mismas, estableciendo así uno de los temas principales de la modernidad en la escultura. Coleccionaba antigüedades, muchas incompletas. Es célebre la concepción que Miguel Ángel tenía de la escultura: pensaba que la obra estaba dentro del bloque de mármol y que él solo debía rescatarla. Se aprecia perfectamente en los 'Esclavos' de la Galería de la Academia de Florencia, que parecen esforzarse por liberarse del mármol que los aprisiona. Ambos protagonizaron polémicas y escándalos. En el caso de Miguel Ángel, en su conmovedora 'Piedad', realizada con apenas 20 años, la Virgen fue vista por algunos contemporáneos demasiado joven para ser la madre de Cristo adulto, lo cual suscitaba reservas teológicas, a lo que el artista respondió que la pureza preserva la juventud. Sobre el monumental 'David', muchos florentinos encontraron su desnudez demasiado explícita para una obra expuesta en una plaza pública (durante un tiempo sus genitales fueron tapados con una hoja de higuera; pasó de la Piazza della Signoria a la Galería de la Academia). Para Buonarroti, pintar la Capilla Sixtina fue un calvario. Tuvo sus más y sus menos con Julio II. Ciertos teólogos se conmocionaron por la presencia de cuerpos desnudos en esta capilla. Lo consideran una obscenidad. «No es una obra para la capilla de un papa, sino para los baños públicos», dijo el cardenal y maestro de ceremonias Biagio da Cesena. Miguel Ángel se vengó caricaturizándolo en la Sixtina por criticar los desnudos de sus pinturas. La presencia de figuras de la mitología pagana fue objeto de controversia y también hubo críticas por la figura imberbe de Cristo. Rodin tampoco se salvó del escándalo. Expuso 'La Edad de Bronce' en el Salón de París de 1877. El realismo de la obra es tal que sus detractores le acusaron de haber modelado la obra sobre el cuerpo del joven soldado. 'El beso', representación de dos amantes desnudos y abrazados, fue considerada demasiado erótica para estar expuesta en un espacio público. Y su 'Monumento a Balzac', encargado por la Sociedad de Hombres de Letras a iniciativa de Zola, provocó una gran polémica. Considerada irrealista y grotesca, la entregó siete años más tarde de lo acordado. Miguel Ángel no es simplemente una referencia estética para los artistas, sino un símbolo, una figura admirada con fervor casi religioso. El maestro participó activamente en la creación de su mito, convirtiendo su figura en una obra de arte en sí misma. Si en vida fue un héroe, una vez muerto se tornó en un mito. Rodin pudo ver los bocetos de Miguel Ángel de desnudos viriles conservados en la Casa Buonarroti y en la Galería de la Academia. De la primera se exhibe un precioso 'Cristo crucificado', tallado en madera y de pequeñas dimensiones. Ver las esculturas del 'divino' in situ, y no a través de fotografías o moldes de yeso, fue para Rodin una epifanía. Una copia del 'Moisés' de Miguel Ángel (el original se halla en la iglesia de San Pietro in Vincoli de Roma) se mide con el monumental 'Balzac' modelado por Rodin. A unos metros, el estudio de su bata, piel simbólica de su creador. Al final de la exposición, 'Walking a Line', un vídeo en 3D de Bruce Nauman, en el que el artista camina descalzo a lo largo de una línea, de frente y de espaldas. Su cuerpo se fragmenta. Cada mitad de su cuerpo se mueve independientemente, de forma desincronizada. Junto a él, Joseph Beuys, Giuseppe Penone y Jana Sterbak, ecos contemporáneos del legado de Miguel Ángel y de Rodin, dos genios inmortales.
Niflheim o Niflheimr es uno de los nueve mundos de la mitología nórdica. Representa la materia fría en oposición al Muspelheim o materia caliente, según uno de los mitos cosmogónicos de la mitología escandinava de la creación. En este reino habita el dragón Níðhöggr, un ser dedicado a roer incesantemente las raíces del fresno perenne o árbol de la vida, Yggdrasil. Según este mito, el mundo nació del choque de estas dos fuerzas en el espacio mágico, llamado Ginnungagap. Es decir, el espacio o hueco que separaba a Niflheim de Muspelheim antes de la creación. En la mitología nórdica, el mundo es un disco plano que está situado en las ramas del árbol de la vida. En cuanto a su nombre, Niflheim (‘Nylfheim’ o ‘NielHeim’) significa Hogar de la niebla. En la mitología nórdica se le conoce como el reino de la oscuridad y las tinieblas, que permanece envuelto por una niebla perpetua. La palabra está compuesta de varias raíces. Nifl (de donde) que unido al anglosajón Nifol significa oscuro. Nevel en holandés y Nebel en alemán, quieren decir niebla. Niflheim se pronuncia “NIF-el-hame”, del nórdico antiguo niflheimr, o “mundo de la niebla”. Niflheim era el reino del frío y el hielo, que es atravesado por los helados ríos de Élivágar y el pozo de Hvergelmir. De allí nacen todos los ríos, de acuerdo a la primera sección del libro de mitología escandinava, Edda menor. Bajo este gigantesco, oscuro y gélido reino de la oscuridad, está el reino de los muertos, llamado Helheim. En él, reina la diosa Hela, con su perro Garm. Helheim es una de las zonas más oscuras y tenebrosas de este gigantesco y helado mundo. Allí reina la poderosa diosa o gigante Hela, hija del dios tramposo Loki. Los dos reinos fundamentales eran Niflheim, el mundo del frío, y Muspelheim, el mundo del fuego. Al unirse los dos reinos, es decir, el frío y el calor, se inicia la creación a través del “vapor creador”. Luego, el mundo de Niflheim se convirtió en la morada de la diosa Hela. Según el relato de la creación nórdica del historiador islandés cristiano – medieval, Snorri Sturluson, el primer ser creado fue el gigante Ymir. Este nació de la violenta fusión del frío de Niflheim y del fuego de Muspelheim en el medio de Ginnungagap, el abismo que los separaba inicialmente. Por cierto, la palabra “Niflheim” solo está descrita en las obras de Snorri. Es usada indistintamente como “Niflhel”, que viene a ser un “embellecimiento poético” del mundo de los muertos “Hel”. En cambio, la palabra “Niflhel”, sí se halla en poemas de la vieja lengua nórdica que es más antigua que las obras de Snorri. Es probable entonces que el término “Niflheim”, sea en realidad un invento lingüístico de Snorri. Es imposible saber con exactitud si se trata de una palabra de origen tardío o es un término antiguo. La única fuente de información sobre la mitología de la creación nórdica proviene precisamente de las obras de Snorri. En el poema Hrafnagaldr Óðins, se menciona brevemente a Niflheimr como un lugar en el norte: “Los poderes se levantaron, el iluminador de Alfs hacia el norte antes de Niflheim persiguió la noche”. Cabe precisar que Niflheim es también el mundo de los muertos y está gobernado por la diosa Hel. Es el último de los nueve mundos, por donde los hombres malvados pasaron después de llegar a la zona de la muerte (Hel). Originalmente, Hel se llamó al mundo de los muertos, pero más tarde significará la diosa de la muerte. Está situado debajo de una de las raíces de Yggdrasill, el árbol del mundo y en dirección norte. En Niflheim habita el dragón Níðhöggr que roe las raíces del árbol de la vida, el cual sostiene los nueve mundos. Luego del Ragnarök o la batalla del fin del mundo, el dragón recorrería el mundo para dedicarse a atormentar las almas que queden. Niflheim o el Mundo de la Oscuridad, estaba dividido en varias secciones, una de ellas era Náströnd, la orilla de los cadáveres. Donde se levantaba un castillo con vista al norte, lleno del veneno de las serpientes. “En esta fortaleza asesinos, perjurios y adúlteros sufrían tormentos y el dragón Nidhogg chupaba la sangre de sus cuerpos”. Esta mención aparece en un poema temprano de Niflheim. En los nueve mundos de la mitología nórdica son mencionados en un poema de la Edda poética o Edda menor. Sin embargo, en ninguna fuente de información nos ofrece una lista completa y exacta de los nueve mundos. Por ese motivo, algunos autores basados en los tipos de criaturas y seres encontrados en la mitología escandinava y la referencia que se hace a su patria en varias fuentes literarias, han hecho la siguiente compilación tentativa: 1.- Niflheim, el mundo primordial del hielo, es gobernado por la diosa o gigante Hela; 2.- Muspelheim, el mundo primordial de fuego, está habitado por los Gigantes de Fuego; 3. Midgard, el mundo de los hombres, creado por el dios Odín y sus hermanos, Vili y Ve; 4.- Jotunheim, el mundo de los gigantes desde el cual se amenaza a los hombres de Midgard y a los dioses de Asgard; 5.- Svartalfheim, el mundo de los enanos, en el viven los elfos oscuros; 6.- Asgard, el mundo de la tribu Aesir de dioses y diosas. Está gobernado por Odín y su esposa Frigg; 7.- Vanaheim, el mundo de la tribu Vanir, que es uno de los dos clanes de dioses y diosas existentes en la mitología nórdica; 8.- Hel, el mundo de la diosa del mismo nombre Hel y los muertos. Está situado en la parte zona más profunda y oscura de Niflheim; 9.- Alfheim, el mundo de los elfos: los elfos luminosos (ljósálfar) y los svartálfar (elfos oscuros que viven en el interior de las montañas). A excepción de Midgard, todos estos mundos son primordialmente invisibles. No obstante, en ocasiones pueden manifestarse con algunas características del mundo visibles. Por ejemplo, Jotunheim puede superponerse con el desierto físico, Hel con los entierros o tumbas (es decir el “inframundo” por debajo del suelo) y Asgard con el cielo. Su fama ha perdurado desde entonces y, en la Alemania medieval, por ejemplo, existía la epopeya narrativa popular El Cantar de los Nibelungos (Das Nibelungenlied), una epopeya heroica escrita en alto alemán medio. Fue compuesta aproximadamente en el año 1200, y su autor fue un caballero Austria desconocido. El poema completo consta de 39 cantos, 2379 estrofas y 9516 versos. Se divide en dos partes, y narra cómo el príncipe de los Países Bajos, Sigfrido, mató a un dragón en su juventud y se apoderó del tesoro del clan de los Nibelungos. La epopeya se origina en hechos históricos de la lucha entre los Xiongnu y los burgundios durante la última etapa de las grandes migraciones de pueblos. Sus personajes están extraídos de numerosos héroes de leyendas populares, así como de historias y personajes de la Mitología nórdica, pero poseen una fuerte conciencia feudal. Es la obra más difundida e influyente de la literatura en alemán medieval. Se conservan 32 manuscritos, de los cuales 10 están completos. Posteriormente, el compositor de ópera alemán Wilhelm Richard Wagner (1813-1883) la adaptó y creó la ópera clásica El Anillo del Nibelungo (Der Ring des Nibelungen), que está compuesta por cuatro óperas, al cual Wagner también la denominó "un festival escénico para representar en tres días y una víspera". Asimismo, una película del mismo nombre se basó en la epopeya popular alemana El Nibelungenlied y en la nórdica La saga de los Völsungos, donde se narra la historia de un joven herrero llamado Sigfrido. En definitiva, Niflheim es uno de los muchos mundos que componen el rico tapiz de la mitología nórdica. Cada uno de estos mundos ofrecen una multitud de historias, símbolos y reflexiones. Este reino gélido y misterioso no hace más que ahondar nuestra fascinación por esta era legendaria en la que dioses, gigantes y humanos se entrelazan en una danza épica y atemporal.
Un manuscrito del siglo XIV que narra la historia del rey Arturo y la búsqueda del Santo Grial saldrá a subasta en Londres el próximo mes de julio. Está valorado en entre 1,5 y 2 millones de libras (unos 1,7 y 2,3 millones de euros) y se pondrá a la venta el día 8 de ese mes en la capital británica, como pieza estrella de la puja de libros y manuscritos valiosos de la casa de subastas Christie’s. Esta es la primera vez que el llamado Grial de Clermont-Tonnerre, que data de entre 1290 y 1310, se ofrece a la venta, ya que ha permanecido 700 años en manos privadas y nunca ha sido expuesto en público ni estudiado exhaustivamente. El director de manuscritos medievales y renacentistas de Christie’s, Eugenio Donadoni, dijo a The Guardian que se cree que, de los tres ejemplares del texto que se encuentran en manos privadas, este es el más antiguo y el que más ilustraciones contiene. El volumen parece proceder de Metz hacia 1300 y contiene los tres primeros textos de la serie: la historia del Santo Grial, los orígenes de Merlín como figura mitad demonio y algunas de sus aventuras con el rey Arturo. Esos tres textos iniciales solían circular como un volumen independiente. Ese carácter autónomo también aparece en la materialidad del objeto. El catálogo señala que la última página, en vitela en blanco, sugiere que sus creadores consideraban cerrada allí la obra. El Lancelot-Grail Cycle reúne algunos de los relatos más difundidos sobre el rey Arturo y su corte, incluida la búsqueda del Santo Grial y las historias de personajes como Lanzarote y Merlín. Existen numerosas versiones atribuidas a distintos autores, una diversidad que vuelve especialmente importante el trabajo filológico. Eugenio Donadoni, director de manuscritos medievales y renacentistas de Christie’s, dijo que “las historias son universales y todavía tienen muchísimo que ofrecer en términos de investigación y disfrute”. En la misma declaración, citó una profecía atribuida a Merlín dentro del propio texto: “Y la historia será contada para siempre y escuchada con gusto mientras dure el mundo”. El Clermont-Tonnerre Grail destaca además por tener 126 ilustraciones iluminadas de trazo minucioso, una cantidad superior a la media. La casa de subastas atribuye esos dibujos al Maestro del Apocalipsis de Lieja, un ilustrador anónimo reconocido que trabajó en el cambio del siglo XIV y fue nombrado a partir de un manuscrito religioso apocalíptico que le dio notoriedad. La atribución se apoya en rasgos estilísticos precisos: ojos negros punteados, mejillas rojas también punteadas y el uso de pan de oro bruñido de brillo intenso. Esos elementos aparecen a lo largo del manuscrito junto al texto en francés antiguo, según las imágenes y la descripción del lote. La procedencia del libro recorre varios siglos y varios propietarios identificados. El maestro concejal de Metz Michel de Gronnais probablemente lo compró a otro habitante de esa ciudad en el siglo XV; después pasó al justador Michel de Chaverson, luego al conde de Clermont-Tonnerre, del que toma su nombre, más tarde al barón británico Thomas Phillipps y finalmente a Jean Lebaudy, industrial francés y veterano condecorado de las dos guerras mundiales. La casa de subastas no reveló quién consignó el manuscrito para esta venta. Esa reserva contrasta con una cadena de propiedad que, según la propia firma, convierte al volumen en una pieza excepcional también por su historial de posesión. La pregunta central que plantea esta venta es quién podría quedarse con uno de los manuscritos artúricos completos más escasos en manos privadas. Christie’s espera interés tanto de instituciones como de compradores particulares, mientras especialistas académicos expresan su preferencia por que la pieza pase a propiedad pública para facilitar su estudio. Irene Fabry-Tehranchi, especialista en colecciones de la Universidad de Cambridge, dijo a The Guardian que sería “asombroso” que el manuscrito terminara en una colección pública y quedara disponible para la investigación. Esa valoración enlaza con el carácter casi desconocido del códice dentro de uno de los grandes romances medievales, según Donadoni. Donadoni dijo que el manuscrito tiene múltiples atractivos: “históricos, de historia del arte, textuales y culturales”. Añadió que debería interesar a instituciones por tratarse de “un manuscrito prácticamente desconocido” de una de las mayores narraciones medievales, y también a compradores privados por las mismas razones que llevaron a una larga sucesión de dueños a conservar el manuscrito durante los últimos 700 años, y que vuelve a emerger como un testimonio excepcional del imaginario medieval europeo, capaz de unir literatura, arte, religión e historia en un único objeto de extraordinario valor patrimonial.
